¿tienes plan para esta noche?

Pequeños consejos para cortometrajistas

Estos y el resto, cortesía del doctor Vigalounge:

No hagas que tus personajes interrumpan una conversación para encender un cigarrillo y dar la primera calada. Puede dar información acerca del carisma del personaje, pero a base de robársela al director.

Si tus personajes se enfrentan en un duelo, no uses el tema principal de El bueno, el feo y el malo. Tampoco parodies el estilo de Leone. Ya es suficiente.

Si hay un striptease femenino, no uses el tema de Joe Cocker You can leave your hat on, si hay uno masculino, no hagas referencias a Full Monty.

Que alguno de tus personajes sea cinéfilo es bastante peliagudo. Si lo es, nada de decorar su casa con posters de Manhattan, Taxi Driver o La Naranja Mecánica.

Por cierto. Nada de parodiar la escena del espejo de Taxi Driver. Nada. Fuera.

En la misma línea, The Filmmaker's exam.

The Other Side of the Wind

Como estoy tan despegada del mundo real me caí de la silla al leer en el blog de Ivan Reguera que "Un Welles inédito sale a la luz". ¿Será posible -me pregunté dolorida- que hayan encontrado la versión original de The Magnificent Ambersons (en España El Cuarto Mandamiento)? Una vez más, fue un moratón en vano: los Ambersons seguirán pudriéndose en la caja de seguridad de la viuda de un productor fracasado. Lo que tenemos hoy son los negativos cinematográficos de The Other Side of the Wind, guardada bajo llave desde 1976. No se trata de una inesperada alegría como en el caso de Babyface sino de otro turbio asunto de Propiedad Intelectual que se puso al rojo con la muerte de Welles en 1985 y que ha mantenido los negativos bajo llave en un sótano de París hasta dia de hoy.

Como cuenta Iván, Orson Welles le hizo prometer a su realizador y amigo Peter Bogdanovich que, si no podía acabar la película, lo haría él. La película jamás se terminó pero Bogdanovich -al que ustedes reconocerán inmediatamente como el Dr. Elliot Kupferberg de Los Soprano- no pudo cumplir su promesa; tres partes mal avenidas reclamaban derechos de propiedad sobre The Other Side of the Wind: la bella Oja Kodar, actriz principal de la película y compañera de los últimos veinte años de su vida; su hija Beatrice, fruto de su tercer matrimonio con una aristócrata italiana y la hermana del Shah de Irán, cuyo marido puso gran parte del dinero de producción. El viejo realizador ha pasado los últimos cinco años llegando a un acuerdo con las tres damas. Ahora una compañía de cable americana ha puesto los medios (económicos) para que Bogdanovich acabe la producción.

Dicen que The Other Side of the Wind, que va de un cineasta que es un hijo de perra podrido de vanidad y disfruta manipulando y destruyendo a los demás es una obra maestra, aunque tanto George Lucas como Spielberg u Oliver Stone se negaron a acabarla. Dicen -aunque Welles siempre lo negó- que fué su película más autobiográfica y que, como ocurre con otra gran obra inacabada de la historia de la literatura, los personajes que viven en ella (actores, periodistas,guionistas, productores) son caricaturas poco sutiles de la gente que rodeaba al propio Welles. El rodaje fue mítico: John Huston, Claude Chabrol, Dennis Hopper, Henry Jaglom, el propio Bogdanovich- que ofreció su casa como escenario- y Curtis Harrington, que bautizó la producción como La Película más famosa jamás estrenada fueron el reparto estelar. Dicen que la película tiene escenas de sexo explícito protagonizadas por la mujer de Welles, que era croata, y que fue ella misma quien las metió en el guión. ¡Orson me llamaba su consejera erótica! -contaba Kodar muchos años más tarde. Algún dia les hablaré de las mujeres croatas.

También dicen que Orson Welles jamás acabó una película después de lo que pasó con los Amberson.

The other unfinished film is DON QUIXOTE, which was a private exercise of mine, and it will be finished as an author would finish it- in my own good time, when I feel like it. It is not unfinished because of financial reasons. And when it is released, it's title is going to be "WHEN ARE YOU GOING TO FINISH DON QUIXOTE?"

--Orson Welles, al final.

los peores polvos de la gran pantalla

Hace unos dias Empire Magazine decidió celebrar su propia existencia buceando los bajos fondos de las colinas doradas y estableciendo un podio de tres: oro, plata y bronce para las peores escenas de sexo en la historia del cine. Han merecido los galardones Showgirls, por su memorable escena de la piscina, a medio camino entre mamá, mamá, en el colegio me llaman la motosierra dentuda y Tiburón; Herida, por la intensa y apasionante escena en la que un agotado Jeremy Irons agarra a Juliette Binoche por los pelos y le machaca la cabeza contra la tarima flotante en un arrebato de pasión prohibida o para que deje de mirarle con cara de vaca mirando al tren (y eso es algo que su director hace bien en dejar en el aire) y, finalmente, una en la que la rubia patinadora de Boogie Nights se lo monta con un montañero que no me suena de nada.

Personalmente, me arrodillo ante la clarividencia de las dos primeras clasificadas. Aunque juntar a la empollona de salvados por la campana y a la inconmesurable Gina Gershon en una pelea de gatas que incluye morreo, pezones y una barra vertical y dejarnos frios en el asiento requiere al menos lobotomía frontal. Pero luego me levanto porque las que le siguen son una vulgaridad: Madonna con lo de las velas, Katleen Turner como China Blue (demostrando una vez más que no hay malos actores sino directores bazofia porque Katleen Turner siempre ha sido una sartén al rojo, para bien Y para mal), Ben Affleck y Jennifer Lopez como el mafioso chovinista y la asesina lesbiana (y póngase unos padrenuestros por no decirme que tan admirable evento podía tener lugar), la de Harrison Ford con la novia de Ellen Degeneres y un largo etc hasta llegar a la número nueve, que fue la primera que me vino a la mente en cuanto leí el titular. Esa en la que todos van a morir y hay una rave y Trinity va a ver a Neo a ver si por fin moja cacho y Neo, con la delicadeza y la fuerza de espíritu que corresponde al elegido, coge y le suda encima. Esa escena que hizo llorar a todos los niños de la sala. De horror.

Zombies

El hombre sentado en la silla es George Romero, padre del género más putrefacto del cine: zombies. El joven tirado en el suelo es Ben Walters, director Simon Pegg, protagonista y guionists de Shaun of the Dead (gracias compañero), la mock-version del remake de Dawn of the Dead. Si no han tenido el delicioso disgusto de ver cualquiera de estos títulos, les aconsejo que se pongan en marcha con el bittorrent porque se están perdiendo un himno generacional. Según este artículo, la mano no es de verdad, pero yo acabo de empezar la segunda temporada de The Shield y no me creo nada. La culpa es de Vigalondo, con quien ya ajustaré yo cuentas en un futuro post. A punto de estrenar 'Land of the Dead', Ben Walters marujea con George Romero y Simon Pegg acerca del género, de Tarantino y del cine de género después del 11S.

Vigo Mortensen ha confesado que una vez se comió un conejo que encontró muerto en la carretera. No es que tenga nada que ver. De hecho, no tiene nada que ver con nada.

MS.45

40 cosas que sólo pasan en las películas

Iba a decir que ya era hora que alguien las recopilara pero, honestamente, ¿no llevamos nosotros haciéndolo desde hace quince años cada vez que la noche terminaba en pandilla, porro y tequila? Son todas las que están pero no están todas las que son. Faltan el negro noble y generoso víctima de un esguince que muere heróicamente detonando la bomba que matará a todos los extras y permitirá que la pareja protagonista huya con lágrimas en los ojos (Run! Go on without me!) y la pareja adolescente que muere troceada en cuanto empiezan a buscar un condón y todas esas que se me ocurrirán cuando me vaya a la cama y ya no tenga sentido.

Pero están todas las demás: los oficiales alemanes que se dejan engañar por un espia infiltrado hablando en inglés con acento nazi (y que, como les ocurre a algunos, hablan inglés en la intimidad); las prostitutas que tienen el corazón de oro (y lo que es más extraño, sus vecinos también); todos los malos tienen un pulso de mierda, todo poli debe ser bruscamente retirado del caso para que el caso pueda ser resuelto y por la misma regla de tres será necesario visitar un club de striptease al menos una vez. Las pistolas son desechables, las sierras mecánicas están siempre a mano cuando un psicótico-que-de-niño-fue-maltratado-y-quemado-con ácido-por-su-propia-madre- prostituta-alcohólica-y-vivió-para-vengarse está de visita en el barrio y los terroristas, por prisa que tengan, dejan siempre un LED luminoso con el tiempo que le queda al protagonista para que estalle la bomba. Porque cualquier otra cosa sería TAN descortés.

Mis favoritos: siempre que te cruzas un camión por la carretera te saludará haciendo sonar la bocina. Dos veces. Y el viejo truco de supermán que devolvió la esperanza a las gafotillas del mundo: la chica menos popular del instituto puede llevar una dobre vida de supermodelo internacional durante el fin de semana con sólo quitarse las gafas y sacudirse el pelo.

Young. Beautiful. Deadly.

Panik House presenta una recopilación en DVD con cinco clásicos del Pinky Violence: jóvenes yakuza de cuerpos elásticos, colegialas de ojos rasgados que se profesan amor y admiración mútua, bandas adolescentes armadas de bicicletas ... alegres ninfas urbanas del pais del sol naciente con un pasado oscuro, sed de venganza y unas insaciables ganas de matar.

Aparentemente el Pinky Violence tiene tres subgéneros: el sensacional, el anormal y el decididamente desvergonzado. Pongo la mano en el fuego a que en esta colección están todos bien representados: Female Yakuza Tale: Inquisition & Torture [Yasagure Anegoden Soukatsu Rinchi] de Teruo Ishii; Sex & Fury [Furyou Anegoden Ino Shika Chou], Terrifying Girls' High School: Lynch Law Classroom [Kyoufu Joshi Koukou Bouroku Rinchi Kyoushitsu], Girl Boss Guerilla [Sukeban Gerira], las tres de Norifumi Suzuki AKA Noribumi Suzuki, Criminal Woman: Killing Melody [Zenka Onna Karoshi Bushi] de Atsushi Mihori y Delinquent Girl Boss: Worthless To Confess [Zubenko Bancho Zange No Neuchi Mo Nai] de Kazuhiko Yamaguchi.

Si miran los carteles con atención podrán apreciar a las dulces florecillas en éxtasis con pecho al descubierto y moño tradicional.

... y por no quedarnos así pensando, aquí un artículo en español sobre el Pinky Violence en un pequeño magazine que será de su interés, otro en Pulp mag y una entrevista al director de la productora y otra, esta vez en mi revista de cine favorita, Sogo Iishii.

Y por último, aunque no menos importante, Idollica, una página dedicada a la edad dorada de la escena japonesa (80-90s), un tiempo en que las chicas conservaban su color de pelo natural. El primero lo encontré en Last Life of the Universe. El resto va por cuenta de la casa.

blow up

La galería de Blow up con el propio Antonioni, más Veraushka y esa Jane Birkin con su amiga justo antes de despelotarse. Via The Crime in your coffee.

testigo cinéfilo

Que me manda Juanpi y que devuelvo, no sin un gruñido de advertencia. Veamos:

Última peli que me vi: Sin City, de Robert Rodriguez y Frank Miller.

Próxima peli que voy a ver: Inside Deep Throat, de Fenton Bailey y Randy Barbato.

Cinco pelis que re-veo un montón o que tienen algún significado para mí:

- Historias de Filadelfia, de George Cukor.
- Primera Plana, de Billy Wilder.
- Alien, de Ridley Scott.
- Arrebato, de Ivan Zulueta.
- Aterriza como puedas, de Jim Abrahams y David Zucker.
- El club de la lucha, de David Fincher.

Las [otras] cinco víctimas: Antonio, Nacho, Tones, (el otro) Nacho y Rubén.

his girl friday online

Cuando Billy Wilder empezó a trabajar en Primera Plana, tenía sus dudas. El gran éxito de Broadway, escrito por el prolífico duo Ben Hecht-Charles MacArthur y producido por George S. Kaufman, había sido rodado dos veces; la primera por Lewis Milestone en 1931 y la segunda como His Girl Friday (en España, Luna Nueva) en 1940 de la mano de Howard Hawks. Quince años más tarde la versión de Hawks, con Cary Grant y Rosalind Russell, aún le parecía insuperable.

Luna Nueva marcó el principio de una serie deliciosa de comedias de enredo con diálogos rápidos e ingeniosos, romances ligeros y acción trepidante y enloquecida. En esta versión, Hildy Johnson muda de sexo para representar a la mujer independiente y profesional en conflicto con sus intereses amorosos y darle el toque romántico que vendía entradas por aquel entonces.

Todo esto, para decir que His Girl Friday ha pasado al dominio público, que Archive.org la tiene enterita para que se la descarguen y que espero que la disfruten de todo corazón.

la fábrica de sueños

Los críticos de la revista Time ofrecen estos días un homenaje a la gran pantalla. Los muchachos han hecho una lista con los 100 mejores títulos de la historia del cine, otra con las mejores actuaciones, otra más con las 10 mejores bandas sonoras y una última con las películas que adoran y nunca se atrevieron a confesar, sus guilty pleasures. En éste nuestro día de suerte, la PBS también le dedica programa y portada a las piernas más largas del cine (después de Clint eastwood). Hoy, en American Masters, el formidable Cary Grant.

Pero antes de que protesten porque hay muchas películas viejas, les voy a contar una historia.

Cuando era pequeña y tuve paperas, mi madre me dió la biografía de Katherine Hepburn, que venía de regalo en dos tomos con la revista Telva. Así supe que hubo un tiempo en que las películas empezaban con un guión. Alguien mandaba un guión al estudio y, si era bueno, se buscaba un director de la casa y se seleccionaban las estrellas que participarían después. Si no era bueno, no se llamaba a nadie ni se hacía nada. El negocio de Hollywood era vender historias. Por eso fue que, en los años 30 y 40, las grandes productoras salieron a la caza de los grandes escritores de la época. Dorothy Parker, John Don Passos, Theodore Dreiser, Dashiell Hammett, William Faulkner, James M. Cain, Raymond Chandler, John Fante, Daniel Fuchs, Tennessee Williams, Horace McCoy o Scott Fitzgerald, todos se dejaron tentar por la fábrica de sueños, con distinta fortuna, para que produjeran las historias más trepidantes, los romances más exquisitos y los diálogos más deliciosos para la gran pantalla. Los guiones se revisaban, se repasaban y se rehacían hasta que cada escena era perfecta y cada palabra, genial. La jerarquía estaba clara: guión-director-productor-actor/actriz.

Mucho se resume en este artículo en el que Budd Schulberg recuerda, 50 años más tarde, cómo se hizo On the Waterfront. Todo empezó con una serie de 24 artículos en el The New York Sun, que le valieron a Malcolm Johnson un premio Pulitzer. Un año de trabajo más tarde, Elia Kazan y Budd Schulberg terminaron el guión y salieron en busca de un productor. Darryl Zanuck, de la Twentieth Century Pictures, les soltó lo de: Who’s going to care about a bunch of sweaty longshoremen?. Sam Spiegel accedió a producirla para Columbia Pictures y el guión se convirtió en una de las películas más asombrosas de todos los tiempos.

Las cosas han cambiado mucho desde entonces. Ahora sólo me gustan las películas de ciencia ficción.

lolita

Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas. Pecado mío, alma mía. Lo-li-ta: la punta de la lengua emprende un viaje de tres pasos desde el borde del paladar para apoyarse, en el tercero, en el borde de los dientes. Lo. Li. Ta. Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho de estatura con pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela. Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita.

Adorar a Nabokov no es un triunfo, es una vulgaridad, porque no deja alternativa. Es por eso, probablemente, que todo aquello que toca se convierte en oro, incluída la pequeña Sue Lyon, Lolita, que no pudo asistir a su propio estreno porque era para mayores de 18 años. E! online le dedicó un oscuro homenaje, Fade to Black, del que se aprovecha sólo una cosa, los pocos segundos de video robado de Lolita de Stanley Kubrick y de La noche de la Iguana, de John Huston.

Algo recuperable hay, también, en los especiales sobre Katharine Hepburn, 100 años de sex symbols o, en su faceta villana, Los drogatas de Hollywood y Nips & Tucks, el quién, el cómo y el cuándo de la cirugía plástica en las colinas doradas.

six

Después del primer paso en falso parece que esta vez va en serio: David Cronenberg prepara la adaptación cinematográfica de Campos de Londres, la mejor novela de Martin Amis hasta hoy, catalogada en el pasado como la "infilmable" London Fields. Infilmable, no infumable; y léanme con cuidado que les puedo dejar los nudillos como la tabla de planchar. El guión ya ha sido adaptado convenientemente por Roberta Hanley para Muse y para todos ustedes. Aunque la novela está protagonizada por un miserable jugador de dardos británico (¡dardos! ¡Keith!), los que la han leído saben que la película sólo puede tener un protagonista. Y aquí es donde el asunto se pone interesante. ¿Quién será Nicola Six?

Jean-Luc Godard dijo una vez: dame una mujer con un arma y ya tengo la foto. Nicola Six no tiene ningún arma y, sin embargo, es la mujer más peligrosa del planeta; sobre todo para sí misma. Como mujer fatal es extraña, anacrónica y perfecta: el hijo bastardo de Nefertiti y el Hermann de Nabokov. Mis dos apuestas más serias son Catherine Keener y Linda Fiorentino.

¿Algo mayores, verdad? Lo sé. Es un tema peliagudo. La primera intentona contaba con Minnie Driver, como oyen y como lo ven. A partir de aquí, que empiece la timba. No pueden ir a peor.

las mejores escenas de la historia del cine

Lo hemos visto cientos de veces pero qué puedo decir: las listas me vuelven loca. Ésta, extensiva y ecléctica, tiene muchos y muy buenos aciertos, como ese momento impagable en la cola del cine en Annie Hall o la devastadora escena en la que Carroll Baker se chupa el pulgar en una cuna de hierro. Baby Doll es posiblemente la madre de todos mis desvaríos lésbicos. Elia kazan y Tennessee Williams, un tándem infernal.

Sólo la intención es heróica y como tal se valora; creo que la colección es una joya, igual que el resto de la web. Personalmente encuentro muy difícil elegir una sola secuencia de muchas de estas películas -Apocalypse Now, Alien, Aterriza como puedas, Perdición-, pero creo que mi escena favorita es un momento de Primera Plana en que Walther Mathau le enciende un cigarrillo a Jack Lemmon y le pone las manos sobre los hombros. Susan Sarandon -su novia- le ha dado un ultimátum y espera nerviosa con los brazos en jarras. La mirada que intercambian los dos un instante más tarde me puso a los pies de Billy Wilder para siempre jamás.

Via Exclamation Mark que también tiene en su muestrario una galería de fotos de la novia de Superman y todo tipo de pulp-sci-fi-vintage.

el desnudo más bello de la historia del cine

Hugo, en Testaruda Potencia:

Al parecer, la película El desprecio, de Jean-Luc Godard, comenzaba directamente con la secuencia en la que Jack Palance pasea por cinecittà. tras la proyección privada para el equipo, el productor estadounidense, un tal Joe Levine, se mostró indignado por el hecho de que la bardot no apareciese desnuda en ninguna escena del film: había invertido su dinero en una película con la mujer más deseada del mundo y quería su desnudo. Godard aceptó añadir una escena al principio de la película en la que la actriz apareciese desnuda. pero evidentemente lo hizo a su manera. y así es cómo nació el desnudo más bello de la historia del cine.

el cementerio de posters

Posterwire, the movie poster blog tiene una historia para cada uno de los posters que ilustraron la historia de Hollywood, desde los Goonies hasta los chistes privados de sus diseñadores. O, en este caso, la historia de una fotografía que dio mucho de sí.

Un hallazgo de Fred Lapides para Good shit.

school spirit

Parece un cruce chusco entre los ángeles de charlie y las supernenas. Con trailers: who is Lucy? // Infiltrated // You're the lamb // Romantic gift (for a girl in Malaysia) // D. E. B. S.

baba yaga

Los rusos se quedaron con lo de la santísima trinidad pero lo adaptaron al matriarcado, que es lo suyo. Así que en lugar del padre, el hijo y la linda palomita que vive con ellos los rusos tenían a la Virgen, la Madre y la vieja gruñona del bosque. Si les ha tocado vivir -como a mi- con una lituana de cabello rojo y genio podrido sabrán ya que, de las tres, su favorita era la última.

Baba Yaga es una mezcla entre un vampiro, una bruja y la madrastra de blancanieves, pero en ruso. Tiene dos hermanas -como la Medusa, las vampiras de Dracula y como Madonna en el video de Chris Cunningham- para confundir a sus víctimas y vive a las afueras del bosque, en una casa que tiene vida propia y que, en algunos versiones, corre como el diablo siguiendo a su huesuda dueña con largas patas de gallo y hambre de carne humana. La imágen de la derecha es una recreación peluche de la mismísima. Si están interesados en hidras adorables, minotauros tiernos y ojos de felpa con tentáculos sangrientos ésta es su tienda.

La Baba Yaga original nació en el norte de rusia durante un periodo de hambruna que sumió a los campesinos en la más terrible de las miserias. En su novela Enchantment, Orson Scott Card convierte a la bruja en un miembro de la nobleza, más sedienta de poder que de carne humana. En la tercera entrega de Valentina, Guido Crepax la dibuja como una aristócrata corrupta, maravillosamente sádica, dispuesta a utilizar sus poderes para poseer los encantos y la voluntad de nuestra fotógrafo favorita. En la película de Farina Baba Yaga es Carroll -Babydoll- Baker. Y hasta aquí puedo leer.

El blog de Antonio está lleno de cosas bonitas. No sólo ha encontrado el trailer de la Baba Yaga cinematográfica -y dicho sea de paso, otras tantas joyas del sexy-horror-kitch- sino que sigue y sigue y sigue: desde la cabecera de miss Diana Rigg en un capítulo perdido de Los Vengadores a la grandiosa Irma Vep pasando por Demonlover y acabando en un blog fabuloso, El Misterio de los Intervalos de Silencio, que se ha convertido en uno de mis favoritos desde ya.

Y lo digo a pesar de que ha dicho lo del lenguaje binario y me haya llamado superticks delante de mis amigos.

al menos no será una obra derivativa

Sharon Waxman, corresponsal en Los Angeles del New York Times, ha publicado Rebels on the Backlot: Six Maverick Directors and how They Conquered the Hollywood Studio System, un despliegue de cotilleos sobre los directores más representativos del nuevo cine independiente escrito por una insider con espíritu de angel vengador y poca pasión por el cine. Como era de esperar, ha sido un éxito rotundo, especialmente para la prensa.

Su favorito es Tarantino, del que se levantan tantas capas de mierda que contar una sola anecdota sería un desmérito para el propio director, aunque una de las más sabrosas incluyen a Ann Nicole Smith, a su secretaria y a su madre (aunque no a la vez). Pero la anécdota más victoriosa, la más delirante y mi muy favorita de ahora en adelante la cuenta con mucha más gracia Salon y la protagonizan Spike Jonze, John Malkovich y Steve Golin, su productor.

Parece que el retrato que la pequeña Coppola hizo del que pronto sería su ex-marido era más acertado de lo que cabría esperar. Según Waxman, Spike Jonze es un hombre inseguro, infantiloide y descerebrado sin la menor inquietud intelectual y con una ingnorancia absoluta por cualquier película realizada antes de La Guerra de las Galaxias. Es por eso -aventura la autora- que sus propias películas Being John Malkovich y Adaptation resultan tan originales: no imitan a los clásicos del cine porque no los ha visto jamás.

Un día Jonze, durante el rodaje de su primera película, le dijo a Malkovich que estaba sobreactuando una escena. Malkovich estaba de acuerdo, y bromeó: Si, me estaba poniendo un poco Blanche, ¿no? Jonze se quedó perplejo. Blanche Dubois -le aclaró Malkovich. -Tennessee Williams? Un Tranvia llamado Deseo? Jonze se limitó a asentir: no tenía la menor idea de lo que estaba hablando.¿Dónde demonios me has metido?- le gritó Malkovich al productor, Steve Golin, que le había convencido para aceptar el papel.

Al menos -respondió Golin- no será una obra derivativa.

nota: Técnicamente, una obra derivativa es la que que deriva de otra obra, ya sea una traducción, arreglo musical, grabación de sonido, o la versión de una película cinematográfica.

aeon flux, la película

Lo que tiene almorzar con gente que comparte tus aficiones: puedes pedirte una pizza a medias sin apenas discutir pero luego te dan el disgusto el medio de la tarta de manzana. Aeon Flux, the movie. Se esta acabando de rodar en Berlin y, aparentemente, llegará a las pantallas a primeros de julio. Y todo esta mal. Mal, mal, mal.

Karyn Kusama, directora de Girlfight -y oportunista hasta los flancos- comenta sobre el proyecto: Aeon Flux is such an interesting kind of flawed and ambiguous heroine in that she behaves sort of irrationally at times, or she behaves sort of from a place of just sort of instinct or animus, and I think that's very interesting. Lo que probablemente significa: tenemos a una superheroina dominatrix medio lesbiana encoñada con el villano, más promíscua que Paris Hilton, que salta por los tejados con un bikini de latex. ¡En plena moda de superhéroes! ¡Y está todo en el guión! ¿A qué coño estamos esperando? Según esta nota de prensa, esperaban a Charlize Theron. A mi todo esto me plantea ciertas dudas. Veamos si estan todos de acuerdo conmigo porque esto es personal.

1. Aeon no es un superhéroe. Es egoísta, egocéntrica, hedonísta, y el bien de la humanidad le trae completamente sin cuidado. Vamos, es terrorista mercenaria. Sus únicas pasiones son ella misma y su némesis, Trevor Goodchild, a quien le obsesiona joder en todas las acepciones posibles del término. Pensándolo bien, ni siquiera es un personaje: ha muerto tantas veces que se podría considerar una deidad existencialista, cuya falta absoluta de temor es sólo posible gracias a que vive en una fracción del tiempo donde tiene siete vidas, como los gatos, y todas ellas se dan a la vez. ¿Cómo haces una peli con este papelón sin humillarlo y rebajarlo hasta llegar a Los Angeles de Charlie?

Si Aeon no fuera un personaje tan abstracto, a estas alturas se habría meado en Lara Croft, que es en comparación mucho más prosaica y vulgar. Dos proyectos de videojuego fracasados más tarde empiezas a entender que sólo hay un universo donde Aeon puede existir, y es una serie de capítulos no secuenciales donde puede ser todas estas cosas a la vez sin que la biblia de personajes acabe como un colador.

2. Aceptando la premisa de que AEon Flux es probablemente la serie más sexy de toda la historia, también debemos admitir que una traducción literal al mundo de los vivos sólo puede desencadenar el horror. Se dan cuenta. Porque, como ocurre con Valentina, las creaciones oníricas de Peter Chung se parecen más a Klimt que a Charlize Theron y eso sólo puede ser bueno.

3. Dicen las notas de prensa que la producción tuvo que cortar el rodaje durante un mes porque Charlie se enredó con sus propios tacones en una escena de trampolín. Adios a la única heroína lo suficientemente lista como para renunciar al tacón de aguja para hacer acrobacias entre las balas.

4. Esas fotos...

5. ¿Ese trailer?

6. ¡Un elfo! ¡¡Trevor Goodchild es un elfo!! ¡¡¡¡Nooooooooooooooo!!!!!!

tops

via goodshit

babyface, el montaje del director

Todo coleccionista, archivista o funcionario de documentación sueña con este momento. El milagro ocurre raramente, pero ocurre. Y le ocurrió al comisario de cine de la biblioteca del Congreso Michael Mashon cuando descubrió que tenía dos copias de la misma película y una era ligeramente más larga que la original: A los cinco minutos supe que se trataba de una versión diferente. No puedo ni empezar a describir la alegría inmensa del descubrimiento, la emoción de saber que era la primera persona desde 1933 que veía la versión sin censurar de Baby Face.

La nueva versión se estrenó hace un mes en el festival de cine de londres y tendrá su premiere americana en el Film Forum de Nueva York el próximo dia 24 de enero.

Baby Face es, como apunta Dave Kehr en el NY Times, uno de los títulos más emblemáticos de la era dorada de Hollywood y, al mismo tiempo, una de las diez películas que propició el cancer de consumiría a la indústria durante casi cuatro décadas: el Código Hays.

El Motion Pictures Production Code, que pasó a la historia como el código Hays en honor al ex-cartero que encabezó la oficina, fue la respuesta de las autoridades a la creciente influencia de la recién llegada indústria del cine y la falta de valores de algunos de sus títulos más populares. Los escándalos de sexo, drogas y alcohol que caracterizaron los primeros años de Hollywood salpicaron a las autoridades al cargo y se estableció un comité para asegurarse de que no picture shall be produced which will lower the moral standards of those who see it. Hays y su equipo mutilaron, prohibieron y devolvieron todas aquellas películas que no cumplieran sus estrictos códigos de conducta, incluyendo a los dos personajes favoritos de américa: la zorra y el gángster. El desnudo, los bailes pegados, los besos (sin lengua) de más de tres segundos, las bromas a costa del pastor local... todas esas diversiones quedaron fuera, junto con cualquier alusión al sexo, a las drogas, las enfermedades venéreas, la procreación, el divorcio... Familias enteras de palabras fueron expulsadas del diccionario de un Hollywood que se quedó, irónicamente, en bragas, en plena ley seca, afrontando la crisis de entreguerras y con hambre de retorcidas pasiones cenagosas que llevan a los hombres a la perdición.

Hays estableció también una estructura básica para tratar lo que hoy llamamos el Happy Ending: todo personaje cuyas actividades fueran delictivas o moralmente condenables sería castigado con la pena capital, al menos en pantalla. Ese destino fatal persiguió durante décadas, no sólo a los criminales y a los traficantes de opio que levantaban su imperio de drogas en la parte de atrás del casino. La mano implacable de dios se ensañó especialmente con la adúltera y el desviado.

El documental El celuloide oculto, un clásico imprescindible para cualquier entusiasta del género, describe detalladamente lo que le esperaba al pobre imbécil al que le tocaba hacer de gay. Mientras el negro de los noventa moría dignamente salvando al resto del casting de un edificio en llamas o una bomba a punto de estallar (¡¡seguid sin mi!! ¡¡salvaos vosotros!!), el marica de los años treinta, cuarenta y cincuenta sufría un tormento similar a la esquizofrenia que destrozaba su vida y que, invariablemente, acababa mal. Podía ser un enfermo -o un ser repulsivo que la enchufaba en cualquier sitio- y la jóven lesbiana una joven confundida por un tráuma de su niñez o un vampiro de pechos turgentes con más hambre de sexo que de sangre fresca, pero ámbos debían palmar antes de cerrar cortinas o el título se devolvía con la banda roja de Rejected. Bye bye, invertidos. ¡Bon Jour Shirley Temple!

Babyface, un guión original de Darryl F. Zanuck dirigido por Alfred E. Green y protagonizado por Barbara Stanwyck es, junto con Public enemy, uno de los pocos títulos de la era pre-Hayes, hoy conocida como El Hollywood Prohibido. Pero también tuvo sus tijeretazos. La historia de Lily Powers, una Estella moderna y desalmada que empieza alquilando sus encantos en el cuarto trasero de la tienda paterna y escapa de ser vendida por su propio padre a un político corrupto para subir a zancadas una dudosa escalera del éxito en la ciudad de Nueva York les pareció sin duda la película más sórdida que nadie pudiera imaginar. Los rollos llegaron de vuelta el 28 de abril de 1932 sin documento alguno que explicara las razones de su rechazo. Eran obvios.

La versión que sobrevivió, y que ha sido la oficial durante 71 años, tampoco es moco de pavo. Es fácil suponer que la misma Warner Brothers envió material caliente a sabiendas de que sería brutalmente rechazado. De este modo, al suavizar un poco los bordes, el comité quedaría contento con un producto más digerible sin bajar al nivel timorato de otras producciones, y funcionó, creando la versión contemporánea de un personaje en el que Barbara Stanwyck brillaría con luz propia durante treinta años más: la mujer fatal-fatal.

Es gracioso comprobar como, con el tiempo, el Código de Producción se convirtió en la semilla de un nuevo tipo de creatividad: tanto directores, guionistas y diseñadores de vestuario como los equipos de fotografía de cada estudio se rompieron la cabeza buscando nuevas maneras de despistar al censor, ladeando su aproximación a los temas más borrascosos y generando algunos de los guiones más ingeniosos, retorcidos y maliciosos de la historia. Una diversión que daría lugar, junto con la llegada del cine sonoro, a lo quen hoy conocemos como los años dorados de Hollywood.

Pero eso, y el porqué el mundo entero debería estar eternamente agradecido a esa diosa del cine que fue Barbara Stanwyck, sólo por existir, eso ya es otra historia que merece ser contada en otra ocasión. Quizá cuando encuentren la versión original de El Cuarto Mandamiento.

por qué

la mona vestida de diosa

Desquitense con este singular site de starts behind the scene donde, explica F, something involving Victoria having to pee while getting anally banged by her costar.

nudity report

Presentamos dos listas elaboradas de manera ejemplar por voto democrático ... o no, pero da igual porque lo que aquí se baraja es un asunto que ha acabado más de una vez a puñetazos en el patio. Los expertos de Celebta (celebrity nudity review website) seleccionan los mejores desnudos de la historia del cine y Fakes, los 20 mejores desnudos del 2004. Un paseo -este último- en el que le verán las trancas a Natalie Portman y se preguntarán quién es Ludivine Sagnier y por qué se molesta en cubrirse de ropa.

larga vida al Newyorker

Dogville (2004)

Pedantic, obtuse, and unwatchable, this three-hour exercise in inept avant-gardism, written and directed by Lars Von Trier, is set in a town without walls, streets, or air—a conceptual Depression-era nowheresville in the American Rockies in which obvious allegories of conformity and viciousness are acted out by a cast reciting an inhuman language into the dead silence. We might be present at a nightmarish school play. With Nicole Kidman as the poor waif who eventually takes her revenge, Paul Bettany as a weak-willed artist, and a variety of other excellent actors submitting to Von Trier's solemnly stupid rituals of betrayal. The pompous narrator is John Hurt, who sounds like Henry Fielding wishing he had a tankard in his hand.

— David Denby

The Film File, una década de crítica inteligente.

Cthulhu strikes back

La H.P. Lovecraft Historical Society ha casi terminado la horror-movie-muda-estilo-años-veinte que tiene entre manos y ha dejado un pequeño trailer en la web para calentar al personal. La película se llama The Call of Cthulhu y la mitad de los enlaces de la página están rotos pero, a poco lovecraftiano que uno sea, es de imaginar lo que vamos a encontrar. Pulpo, mucho pulpo.

7:35 de la mañana --> online

Felicidades, salao. Gracias reTones!

espumoso de postin

El divorcio y el palo de los Oscars le han planchado la cabeza. Tanta delicadeza y tanto maquillaje para acabar vendiendo vino espumoso de lata. Sofia...

via The hidden persuader

casshern

Aunque se trata de una adaptación, muy libre, de una saga menor que Tatsunoko Pro publicaba en los primeros 70, Casshern le debe mucho, mucho, a Blade Runner. Y, para qué negarlo, a Matrix. Se mea, sin embargo, en la primera por perfectita y la segunda por barata. Y antes de que me despiecen voy a explicar por qué.

Casshern es una película bonita con actores guapos hasta decir basta y tiene la pátina de acabado brillante heredada del videoclip, ese lugar común donde tantos ven un defecto y otros vemos claramente una virtud (Kazuaki Kiriya es fotógrafo y, efectivamente, director de videclips). El actor principal es lo más parecido que pudieron encontrar al soso de Keanu Reeves y su némesis, su hermano, una réplica barata y granujienta de Rutger Hauer, con quien comparte un flequillo ridículo, un destino trágico y un edipo que te cagas por las bragas de chungo. El argumento está lleno de lugares comunes y la mayor parte de la cinta chorrea incongruencias, como ese airecillo flower power en medio de una orgía nihilista de sangre y destrucción que claramente les pone como perras o esa travesía que ya recordarán, ya, cuando la vean, a medio camino entre Rivendell y los ewoks que resulta tanto más irritante por su falta de contexto y su escaso don de la oportunidad. Todas estas consideraciones se quedan muy a la sombra del resultado final.

Casshern es una película excesiva, alucinada y barroca en la que el miedo a cagarla no ha impedido a su director -licencia de primerizo, dirán- pasarse por el forro de los cojones la mitad de las convenciones formales de sus predecesoras y brilla por momentos con una luz desquiciada y cegadora. Su pasión obsesiva por los detalles, la densidad de sus escenarios -Moebius, Giger, Jean-Pierre Jeunet) y una combinación inesperada de 3D con ilustraciones, graffitti, viñetas y todo tipo de recursos visuales son a veces difíciles de procesar pero tienen un poder hipnótico del que resulta difícil zafarse.

Esa ambición poco frecuente constituye al mismo tiempo su mayor defecto: quiere cubrir tanto en tan poco tiempo que, literalmente, se le va la pinza, sobre todo hacia el final, pero no importa. Este desatino maravilloso no pasará a la historia como Blade Runner, que tiene un acabado más pulido, más digerible y no se sale del tiesto en ninguna ocasión. Pero a estas alturas resulta tan perfectita y sosa en comparación.

posiblidades cinematográficas para estas navidades

Howl no Ugoku Shiro ha comenzado su carrera hacia el Oscar y, si los números no mienten, correrá mejor suerte que El viaje de Chihiro, que fue más popular en occidente que en casa. Mas de un millón de personas y un millón y medio de yenes en dos días para Miyazaki y Studio Ghibli. ¡Bien por ellos! Lamentablemente, emule aun no se ha enterado y yo aún estoy esperando como la loca del tren, con el pelo revuelto y el corazón en un puño, a que un alma caritativa despliegue un .avi de más de 600 megas en mi pantalla. Igual podrías ser tú.

Mark Schilling, adorador confeso de Chihiro, ha escrito una revisión de la película con una reflexión interesante de fondo: The Majesty of 2D.

... pero mientras esperamos a que Miyazaki llegue al cine de barrio y nos alegre el inevitable camino a la destrucción, hay un par de títulos que pueden ser interesantes, aunque sólo sea en el mal sentido: Kamikaze girls y Marronier.

Shimotsuma Story es el libro de moda entre las lolitas niponas. El prenda que lo ha escrito, Novala Takemoto, se viste de Alicia y de Comme des Garcons y tiene más tontería que Brigitte Bardot. Dice que los chicos apestan a sudor y los periodistas dicen que él apesta a Christian Dior. La película narra las aventuras de una comeflores que se viste como una huérfanita de la Inglaterra victoriana y su amiga, una aspirante a Morticia que se fugó de casa con el ginecólogo de su madre y acaba viiendo con un abuelete senil y un criminal venido a menos que parece ser su padre. La película ha sido un exito generacional fulminante, gracias a la popularidad mediátika de Takemoto y a la sabia elección de sus proptagonistas, Kyoko Fukada y Anna Tsuchiya, dos prodigios del J-Pop patrio (de allí) expertas en mohines y patitas para dentro. Mucho pop japonés, camino a la madurez, alienación social y todos los tópicos de la literatura teen cubiertos de bordados hasta los mismos dientes.

Marronnier, explica Midnight Eye, significa nogal en francés pero en el pais del sol naciente quiere decir twisted karaoke video- doll-slasher-movie. Como diciendo, entiendo yo, la clásica historieta de payaso hijodeputa sediento de sangre vírgen pero con monadas japonesas, pretensiones de nouvelle vague y una buena dosis de polladas pseudointelectuales que impresionarán a algunos freaks menores de doce años y darán que reir al resto, en el mejor de los casos.

Lo mejor que se dice de Marronier es que es una película... diferente. Como cuando la niña que recoges del colegio por las tardes es diferente. Lo peor, que ha sido interpretada, dirigida y editada por un puñado de adolescentes japoneses puestos de crack. Su paso por los festivales de cne fantástico de aquí y allí no parecen haber impresionado mucho a crítica o audiencia. Pero dudo que las navidades nos guarden muchas bondades asi que qué narices.

BTW, ayer volví a ver Dawn of the Dead y me pareció tan inteligente, sardónica, divertida, terrorífica y asombrosa como la primera y la segunda vez. Si después de esta película todavia le quedan fans a 28 dias despues, deberían ponerlos a todos juntos en un corral y cerrar la puerta para siempre.

lost feminists movies fest

closer

De puro sencillo, el truco parece tonto pero no lo es. Ponte en manos de la nueva y delicada favorita del cine intependiente y todas querrán ser como tú.

Y la tonta de la Kristen haciendo spidermans.

proximamente

a tale of two sisters

proximamente en los mejores cines

JL, gracias por el chivatazo

kiri-kiri-kiri

Si estan todavia en Madrid y no tienen nada que hacer el sabado, les animo a que se pasen por el cine Dore a las seis de la tarde. Alli podran disfrutar del segundo -y ultimo- pase de La Audicion, una bonita historia de amor entre un director de cine y una joven amante del piano.

Para ratones de filmoteca: The Guardian, la entrevista de la BBC, Takashi Miike on Pins and Needles, un largo fan-article y la reseña de mi revista de cine favorita: Midnight Eye. Cuando la hayan visto les admirara saber que su pelicula mas polemica ha sido otra. Y, si les ha gustado, examinen atentamente esta coleccion.

pantallazos

thanks Jason!

hop!

via presurfer y su elegante a la par que discreto nuevo diseño.

Neuchatel International Fantastic Film Festival

Ya no estoy en Suiza sino en Bruselas y, como habran notado, no ha habido mucho tiempo para la reflexion. El Festival de Cine Fantastico de Neuchatel ha sido todo lo fantastico que prometia y nos han tratado como reyes, asentados sobre un lago en mullida cama con jacuzzi, tablet PC, orquideas y todos los jabones Bvlgari que he podido robar, bombones blancos sobre la cama a la vuelta de cada sesion y quesos indescriptibles aguardando en la nevera. Y champagne. Pero volvamos, si no les importa, a la oscuridad de la sala que nos estamos poniendo demasiado comodos.

El festival comenzo con el estreno (en Neuchatel) de Dawn of the Dead (mas simpatica que terrorifica, zombies rapidos como el demonio y, aunque no es mucho, mejor que la payasada de Boyle) y una cena a la luz de las velas (que nos perdimos) y una sesion de vino y cerveza negra (que no nos perdimos) en la que fuimos puntualmente informados de la inminente llegada de Mr. Roger Corman esa misma noche al hotel y de Dario Argento a lo largo del dia siguiente. Su presencia se debe, aunque solo parcialmente, a una seccion importante: 2 thrillers by 2 masters en la que se pudo disfrutar del ultimo estreno de Argento, Il Cartaio (serial killer que secuestra jovenes y bellas senoritas, webcam, persecucion online, batalla de ingenio entre el bien y el mal ... fresco y original, el acabose, lo nunca visto ni oido por un alma mortal) y King Of The Ants de Stuart Gordon. Lamentablemente un irritante problema de caracter informatico nos retuvo en la misma sala hasta las cuatro de la morning y nos perdimos la aparicion de Corman, por informaticos y por borrachos. Se alegraran de saber que, a cambio, fuimos admirablemente perseguidos durante mas de una hora de bosque y carretera por el psicopata local que consiguio colarse en el hotel y pasar la noche dando vueltas alrededor de nuestro aristocratico paraiso flotante.

El evento, aun en ese mundo medio perdido que es Neuchatel -mas frances que suizo- tiene proporciones gigantescas. En los arboles de los parques que rodean el cine Apolo -donde tienen lugar la mayor parte de las proyecciones- cuelgan ojos ensangrentados de tamaño desproporcionado y en la pared de un edificio anexo se pueden ver cuatro criaturas de color azul, mitad Vinieron del Espacio, mitad Isey Miyake, que miedo no dan pero si son curiosas de ver. La programacion de este año incluia mas de 70 peliculas, divididas en diferentes categorias y un sinfin de premios, entre ellos los HR Giger de cine fantastico y el recien inaugurado NIFFF Silver Méliès para las mejores muestras europeas.

Dentro de la competicion destacan la filipina Gagamboy del director Erik Matti, una suerte de Spiderman asiatico completamente atipico, Code 46, la primera pelicula futurista de Michael Winterbottom, Dragon head de George Iida, otra aproximacion al fin del mundo con colegialas incluidas y la mil veces despampanante Natural City de Byung-Chun Min, una revision de Blade Runner en clave surcoreana. Le siguen The Machnist de Brad Anderson con Christian-American Psycho-Bale y Jennifer Jason Leigh y The Taste of Tea de Katsuhito Ishii, responsable de las secuencias de animacion en Kill Bill.

La nota española la pone Paco Plaza, director de OT: la pelicula con Romasanta, un largometraje basado en la historia de Manuel Blanco Romasanta, el hombre-lobo de Allariz, que no llegamos a ver pero que si fue el origen de una inesperada sonrisa. En el catalogo y la nota de prensa que corresponden a esta pelicula se puede leer: to all our regular visitors (including the director of the festival): please note the presence in the credits (and in the film) of Elsa Pataky, the blonde journalist in "Beyond Re-Animator". Uh ah!

La seccion New Cinema From Asia nos ha dado, como sin duda imaginan, muchas alegrias. Aunque no estaba la pelicula que hace meses que queremos ver, Resurrection of the Little Match Girl (si algun residente habitual del emule cuenta con esta joya en su poder, le estare largamente agradecida si se pone en contacto conmigo para un posible intercambio de ceros y unos) nos quedamos bien contentos con la salvaje heoina de Azumi (Ryuhei Kitamura), basada en un popular manga; la historia de amor chunga de Darkness Bride (You Gou), categoria drama-drama 100% digital; las divertidas (aunque de aquella manera) Hard Luck Hero y Running On Karma (Daai chek liu), una vision disparatada del karma tipo Bruce Lee meets Lynch y se ponen morados de setas y la preciosista Legend Of The Evil Lake (Cheonnyeon ho), con lago encantado, novia sangrienta y guerreros in love. Muy chunga Samaria del mas chungo Kim Ki-duk, con prostituta menor de edad que salta por la ventana y embarca a todo el mundo en una busqueda desesperada del hombre que ama -por su mala vida, un cliente habitual- justo antes de desangrarse en brazos de su mejor amiga que es la que lleva el negocio y esta como un puto queso.

La esperada Tokyo Godfathers, un largo de animacion del virtuoso Satoshi Kon (tres solteros y un biberon en Tokio, visperas de navidad) me dejo algo fria. Aunque pudo ser el cansancio y la sobredosis de queso.

Future Cinema o, para vds, el motivo que ha llevado a la petite a Neuchatel, es un evento muy particular dentro del festival que estudia el fenomeno del videojuego y los Computer Graphics aplicados al cine y su posible evolucion tecnologica y estetica. Este ano, 16 cortos, anuncios publicitarios y presentaciones de nuevos juegos en el auditorio del festival, Polyester de John Waters y Phil Tippett de invitado estelar.

Otra categoria a la que desgraciadamente no preste demasiada atencion fue la competicion de cortos de produccion suiza aunque, segun los programas y los programadores, tanto Cronos & Rhéa de Victor Jaquier como Identity Search de Jacqueline Brutsche merecian el viaje. Esta ultima especialmente, la travesia de un hombre que sale del psiquiatrico para caer en un programa de television durante el cual debe descubrir su propia identidad con la ayuda de un presentador poco colaborativo y profundamente sarcastico.

Entre la seleccion europea, efusivas recomendaciones acerca de las multipremiadas I’ll see you in my dreams de Miguel Angél Vivas Cast, gore de produccion hispanolusa que ya recibio en Zaragoza el «Best Editing Award» y Jojo in the stars de Marc Craste, una historia romantica en la parada de los monstruos. El premio final ha recaido sobre un corto espanol: 7:35 de la mañana de Nacho Vigalondo, un musical de ocho minutos en 35mm que ya ha triunfado en varias plazas -primer premio en el Festival de Cine Fantástico de Málaga, el premio de la juventud en el festival de Clermont-Ferrand y el mejor corto de la Semana de Cine Vasco de Vitoria- en el que una mujer es homenajeada a grito pelado y en blanco y negro en un bar por un admirador y un estrafalario equipo corista. Antonio Tato en el papel de acosador hortera.

Una de las experiencias mas excitantes de la semana ha sido, por rara y por exotica, Fantastic Borderless, dedicada a aquellas peliculas no occidentales que, por su pertenencia al genero fantastico o al estupidamente denominado cine de autor suelen quedar condenadas a morir en los circuitos locales. Libre de las exigencias comerciales de la novedad y del star system, entre estos borderlines bailaban titulos de los años veinte con joyas de los 90 y del nuevo milenio entre las que mencionare La princesse à L'éventail de FerChine (Tieshan Gongzuh) de 1941, primer largo de animacion de la cinematografia china, Princesse Hibiscus (1957) primer anime en color que cuenta la historia de un estudiante que se enamora perdidamente del espiritu de una flor, The Housemaid (1960), La mano que mece la cuna pero en los 60 y en koreano o Zinda Laash (1967), version paki del dracula ye-ye. Esta seccion del festival se completaba con una preciosa exhibicion del Bollywood del terror, un importante numero de carteles originales de los que traje una expresiva coleccion de fotos que pronto seran una galeria en La Petite y en Elastico.net. Eso, en cuanto encuentre el puto cable. Gracias, gracias.

Para terminar (de matarles): Tenkuu no Shiro Rapyuta o, en cristiano -menos resulton- El Castillo del cielo, de Hayao Miyazaki en pantalla grande y a oscuras. Si no saben de que les hablo, no merecen leer este blog.

amar el Cine como concepto

Como estoy aun algo desganada y sufriendo el clásico caso del Angel Exterminador en la Ciudad Condal -que me pasa todas las veces- se me había escapado esta bonita nota aclaratoria sobre el estado del cine o, mejor dicho, de la cinefilia, por mi querido Tones.

El miércoles estuve en una tertulia radiofónica en la COPE. Me llamaron para hablar de, agárrense los machos, “Héroes”. Y pusieron la banda sonora de En Busca del Arca Perdida, Superman y Star Wars. Claro que sí. Se hacen una idea de por dónde iban los tiros, ¿no? Junto a mi, un pajero cinéfilo de pro, y el presentador, pues El Presentador del Programa de Cine de la COPE, no se puede decir más en menos. Dos cosas de la cinefilia recordé (ya no me junto con este tipo de gente) y odié a lo largo del programa. Primero, esa tendencia absurda a dar siempre la puntilla a todo con un comentario o anécdota de Correo del Fotogramas. “Ah, ¿pues sabes que el director de esa película tuvo una gastroenteritis que le impidió rodar la famosa escena de la bañera, y la tuvo que dirigir el propio actor?” – “Cdado, podque ya tenía adgo de expediencia en aqued epizodio de “Zueños Modbozod” que didigió y pdotagonizó” – “Claro, claro” – “Hombde…”

Querido Tones, ¿por qué a mi no me llaman a la Cope a hablar sobre los machos? Que, lo crean o no, aun me quedan un par de cosas que decir al respecto... y por cierto: ¿se pagan bien estas cosas?

Pick a boo!

Los chicos de Retrocrush se marcan estos días una bonita selección de los 100 momentos más horripilantes de la historia del cine, interesante como anécdota, aunque la selección es algo peculiar, más asquerosa que horripilante y, en su mayoría, americana.

A mi la única película que me hace sudar frío sólo de pensar en ella es, definitivamente, El Resplandor, de la que eligen un par de momentos -esas niñas del demonio que aparecen descuartizadas a lo largo y ancho del pasillo, por amor de dios- y quizá, sin pensarlo mucho, esa escena de Alien en el que uno de los comensales se rie, tose y lo siguiente es un macaco asqueroso presidiendo la mesa, unos cuantos fotogramas que alegran la existencia de cualquier adicto a las dietas, por lo efectivo y demás.

Sorprende la falta de japonesadas -cosecha 2002- como The Ring o Dark Water, con esos jueguecitos macabros con la cámara de vigilancia y el pelo creciendo como hiedra por las tuberías de la casa que hacen chillar a mi hombre con una mezcla de asco y placer que a mi me hace mucha gracia.

Quítense el sabor de boca con estas curiosas adaptaciones de grandes clásicos del cine de horror, con El Resplandor y El Exorcista en 30 segundos and re-enacted by bunnies.

pinku eiga

El Bright Light Films Journal es un paraíso para cierta clase de aficionado al cine que aún prefiere las oscuras galerías del videoclub Jose Luis la plaza de Ventas que -aunque parezca mentira- la corta pero exquisita exhibición de buen gusto del Séptimo Arte, en la calle Hortaleza de Madrid. Estos chicos se pirran por lo camp, el lesbian pulp, se redespollan todo lo que quieren de Rocco y sus hermanos y se ponen tibios de guarradas de vampiros en blanco y negro y los géneros más necrofílicos del cine underground.

No dejen de visitar las páginas dedicadas al pinku eiga o el artículo que su responsable, Gary Morris, ha escrito sobre La Audición, película que como ya saben goza de todas mis simpatías.

Lo que me recuerda que pronto es mi santo y tengo que hacerme una wishlist. blink.

lulú

Pandora's Box // Louise Brooks Society // Lulu // Articles (in Kansas State Historical Society) // Pandora's Box script // Lulu in Hollywood // Louise Brooks: a biography // Pictures of Lulu // Silent Ladies // Silents are Golden // The Booming 20's // Jazz Age Page // Eclectic Journet through the 20's // Gatsby Jazz Age echoes // Christy's Fashion Pages

cinema diabólico

via Grow a brain

Three (scary films)

Los 100 mejores personajes de la historia del cine (segun Premiere magazine)

1. Vito Corleone

Played by Marlon Brando in The Godfather (1972, dir. Francis Ford Coppola)

With squinty eyes and drooping cheeks, this patriarch’s face seems to be one sad sag; it is, in fact, an impassive mask for a quick mind and a fierce ethos. His talent is for crime, but his passion is for his family. He seems to carry with him a latent sense of tragedy, and as the film continues, that sense manifests itself more and more as Vito realizes that the things he did to protect his family sowed the seeds of its destruction. The most complex mobster ever portrayed onscreen.

Defining Moment: After slapping around cream puff crooner Johnny Fontane with the admonishment “be a man,” Vito tells him, “You look terrible. I want you to eat. I want you to rest well and in a month this Hollywood big shot’s gonna give you what you want.” Ever the wimp, Fontane protests, “Too late, they start shooting in a week.” Vito is unperturbed: “I’m gonna make him an offer he can’t refuse.”

La lista es algo subjetiva y bastante eclectica, como cuando nos pregunta el director de una exposicion que nos ha parecido y decimos es muy eclectica. Y me sumo con firme decision a la protesta de este lector.

Freddy Who? Freddy K. but not Frankenstein's monster (Karloff) or Dracula (Lugosi)? How's that possible? It's been 70 years since the classic monsters came on the scene and they are still around. Do you really think the same will be true of Freddy? No disrespect meant toward Robert E. , but the other two characters have been "universally" known for decades.