La mujer que le quitó 'El Coloso' a Francisco de Goya

Carmen está siguiendo muy de cerca el affair Coloso que tantas satisfacciones, alegrías, ooohs y ahhhs nos está regalando estos días. Cada día parece más un duelo a Los Inmortales: Sólo puede quedar uno. Y creo que tenemos al primer troll experto en restauración...

Doce años después es la Jefa de Conservación del siglo XVIII y acaba de abrir la primera polémica del mundo del arte en España desde que Ana Martínez de Aguilar dimitiera como directora del Reina Sofía: ha dicho que El Coloso no es de Francisco de Goya. Los expertos e interesados ya se han postulado en contra o a favor.

Ella dice que ha tardado casi veinte años en afirmar sin concesiones lo que sospechaba desde 1991. Las primeras dudas surgieron al preparar la exposición Goya, el capricho y la invención y, a falta de un estudio definitivo, decidió descartar este lienzo de la exhibición. Desde entonces, no se ha apartado de esta investigación.

Sin embargo, no siempre pensó así. El director honorario del Prado José Manuel Pita Andrade, uno de los críticos con las nuevas teorías, remite a los textos de Mena sobre El Coloso en el catálogo de la exposición Goya y el espíritu de la ilustración (1988). En ellos la conservadora no mostraba dudas en la atribución de este cuadro.

"Es ésta una de las imágenes más dramáticas, más poéticas y misteriosas de todas las obras del período de madurez de Goya", comenzaba su artículo. Más adelante, se rendía ante las cualidades de esta pieza. "En cualquier caso, el lienzo es admirable por la extraordinaria seguridad de su toque, a golpes de espátula o de pincel, rápidos y nerviosos, de una precisión y energía singulares".

Hace unos días, sin embargo, Mena aseguraba en rueda de prensa que el uso de espátula era incompatible con el proceder del genio sordo y repasó todos los detalles a su juicio mal perfilados y sin definir de la imagen. "No se pueden utilizar las mismas características para apoyar la autoría -protesta Pita Andrade- que para rebatirlo".

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¿De quién es El Coloso de Goya?

Me dicen que estoy disfrutando de más con este asunto, pero ya me dirán. Primero que el Goya no es de Goya y que hay que ser paleto para pensar otra cosa. Después, que donde digo Coloso, en realidad podría decir más.

Y todo esto, por supuesto, es de lo más normal. Lo que ya no es tan normal es lo de los autentificadores de a 18.000 la hora, que luego Nigel Glendinning viene a mear el árbol de Manuela Mena y no le dejan hacerse fotos con el cuadro deshonrado donde el gigante cierra los ojos como quien no quiere saber nada.

A mí, dice el gigante, me dejan en paz. Ni que me hubiera comido a mis hijos.

MÁS: Ni el primero ni el último | Cuatro ex directores del Prado opinan sobre la polémica | La autoría de 'El Coloso' divide a los expertos

Kay Nielsen

Haciendo limpieza de enlaces, decidí seguir un consejo clásico de renovación de armario: deshazte de todo aquello que no te hayas puesto en el último año. Los enlaces a páginas muertas han desaparecido, también aquellas que no visito ni echo de menos.

Entre las nuevas adquisiciones está el archivo de animación, hoy featuring Las doce princesas bailarinas de Kay Nielsen (via), uno de los grandes ilustradores de primeros de siglo junto con Arthur Rackham y Edmund Dulac, de herencia pre-rafaelita y un aire a Aubrey Beardsley, pero en tecnicolor.

Las doce Princesas bailarinas
Había una vez un rey que tenía doce hermosas hijas. Todas ellas dormían en una habitación con doce camas y, cuando se iban a la cama, las puertas se cerraban con llave. Sorprendentemente, cada mañana, sus zapatos aparecían tan desgastados como si hubieran bailado durante toda la noche. Nadie era capaz de descubrir qué era lo que pasaba ni dónde habían estado las princesas. Así que el rey hizo saber a todo el reino que la persona que descubriera el misterio y averiguara dónde bailaban sus hijas cada noche, podría desposar a la princesa que más le gustara y sería nombrado rey después de que él muriera. Pero aquél que lo intentara y no lo lograra después de tres días con sus tres noches, sería ejecutado.

Ponto llegó el hijo de un rey. Fue bien recibido y, por la noche, lo condujeron a la habitación contigua a la de las princesas, donde éstas ya yacían. Allí estaba el príncipe sentado esperando para ver dónde iban a bailar, y, se dejó la puerta de la habitación abierta para que no pudiera pasar nada sin que él lo oyera. Pero el hijo del rey pronto se durmió y, cuando despertó por la mañana, se encontró con que todas las princesas habían estado bailando, ya que las suelas de sus zapatos estaban llenas de agujeros.

Lo mismo sucedió durante la segunda y tercera noches, así que el rey ordenó que le cortaran la cabeza.

A él le siguieron muchos otros, todos ellos corrieron la misma suerte: perdieron sus vidas del mismo modo que su predecesor.

Pero sucedió que llegó al reino un antiguo soldado al que habían herido en una batalla y ya no podía luchar. Mientras atravesaba el bosque se encontró una anciana que le preguntó hacia dónde se dirigía.

“Apenas sé hacia dónde me dirijo ni qué he de hacer” dijo el soldado “pero creo que me gustaría intentar averiguar dónde bailan las princesas y así convertirme algún día en rey”.

“Bueno” dijo la anciana “ésa no es una tarea muy difícil. Sólo has de estar atento y no beber el vino que te ofrecerá una de las princesas por la noche y, tan pronto como ésta se marche, has de hacerte el dormido”.

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A continuación, la anciana le regaló una capa y dijo: “En cuanto te pongas esta capa serás invisible y entonces podrás seguir a las princesas allá a donde vayan”. Cuando el soldado escuchó todos estos buenos consejos, se decidió a probar suerte. Así que se presentó ante el rey y le dijo que deseaba asumir la tarea.

El soldado fue tan bien recibido como todos los anteriores y el rey ordenó que le dieran delicadas ropas reales. Cuando llegó la noche lo condujeron a la habitación exterior.

Justo antes de irse a dormir, la mayor de las princesas le llevó una copa de vino, pero el soldado tiró la bebida sin que ésta se diera cuenta y tuvo cuidado de no beber ni una sola gota. Entonces se recostó en su cama y, después de unos minutos, comenzó a roncar escandalosamente como si estuviera profundamente dormido.

Cuando las doce princesas oyeron sus ronquidos rieron enérgicamente. La mayor de ellas dijo: “¡Este tipo debería haber hecho algo más inteligente que venir a perder la vida de esta manera!” Entonces se levantaron, abrieron sus cajones, sacaron sus delicados vestidos, se vistieron frente al espejo y saltaron y brincaron como si estuvieran deseosas de bailar.

Pero la más joven dijo: “No sé por qué, pero aunque vosotras estéis tan contentas yo estoy preocupada; estoy segura de que vamos a tener algún contratiempo”.

“Inocentona…” dijo la mayor “siempre estás asustada; ¿has olvidado ya cuántos hijos de reyes nos han vigilado en vano? Y, por lo que respecta a este soldado, aunque no le hubiera dado el brebaje para dormir, estoy segura de que hubiera caído de todas formas”.

Cuando estuvieron arregladas, fueron a ver al soldado; pero éste seguía roncando y no movía ni un solo dedo, así que pensaron que estaban a salvo.

Entonces la mayor volvió a su cama y dio una palmada. La cama se hundió en el suelo y se abrió una trampilla. El soldado vio como una a una se metían por la trampilla, pegó un salto y, pensando que no tenía ni un minuto que perder, se puso la capa que le había dado la anciana y las siguió.

Sin embargo, a mitad de las escaleras pisó sin querer el vestido de la princesa más joven, y ésta les grito a las hermanas: “Algo va mal. Alguien me ha agarrado del vestido”.

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“¡Qué criatura más tonta!” dijo la mayor, “no es nada más que un clavo de la pared”.

Siguieron bajando y al final de las escaleras llegaron a una preciosa arboleda, donde las hojas de los árboles eran de plata y tenían un brillo y destello preciosos. El soldado quiso llevarse alguna prueba de aquel lugar, así que rompió una ramita y así se oyó un gran estruendo. Entonces la hija más joven dijo otra vez” Estoy segura de que no va todo bien… ¿es que no habéis oído ese ruido? Esto nunca antes había pasado”.

Pero la mayor dijo: “Ese ruido los han hecho nuestros príncipes, que están gritando de alegría por nuestra llegada”.

Llegaron a otra arboleda donde las hojas de los árboles eran de oro y después a una tercera donde eran de brillantes diamantes. El soldado arrancó una rama de cada una de las arboledas y cada una de las veces hizo mucho ruido, lo que hizo que la hermana pequeña temblara de miedo. Pero aún así, la mayor siguió diciendo que sólo eran los príncipes, que estaban gritando de alegría.

Siguieron su camino hasta que llegaron a un gran lago. En las orilla había doces pequeños botes capitaneados por doce hermosos príncipes que parecían estar esperando a las princesas.

Cada una de las princesas se subió a un bote y el soldado se subió al bote de la princesa más joven. Mientras navegaban por el lago, el príncipe que estaba en el bote con la princesa más joven y con el soldado dijo: “No se por qué, pero a pesar de que remo con todas mis fuerzas no consigo ir tan rápido como siempre y me agoto más que nunca: el bote parece hoy muy pesado”.

“Eso es por el bochorno” dijo a la princesa, “yo también tengo mucho calor”.

Al otro lado del lago se levantaba un magnífico castillo iluminado de donde fluía una alegre música de trompas y trompetas. Allí desembarcaron y cada príncipe bailó con su princesa; y el soldado, que aún era invisible, también bailó con ellos. Cuando alguna de las princesas tenía una copa de vino en la mano, el soldado se la bebía rápidamente, así que cuando se la iba a llevar a la boca ya estaba vacía. Esto también asustó muchísimo a la hermana pequeña, pero la mayor la silenció de nuevo.

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El baile continuó hasta las 3 de la mañana, y a esa hora todos sus zapatos estaban ya desgastados, así que se vieron obligadas a irse. Los príncipes las llevaron de vuelta (pero esta vez el soldado se puso en el bote de la princesa más mayor), y ya e tierra firme se despidieron los unos de los otros y las princesas prometieron volver a la noche siguiente.

Cuando llegaron a las escaleras, el soldado adelantó a las princesas y se acostó. Y cuando las doce cansadas princesas llegaron arriba le oyeron roncar en su cama y dijeron “Estamos a salvo”. Después se desvistieron, recogieron sus delicados vestidos, se quitaron los zapatos y se fueron a la cama.

A la mañana siguiente el soldado no dijo nada de lo que había pasado, resuelto a ver más de esta extraña aventura y volvió a seguirla la segunda y tercera noche.

Todo sucedió como la primera noche: las princesas bailaron hasta que sus zapatos se despedazaron y entonces volvieron a casa. La tercera noche el soldado se llevó una de las copas de oro como prueba de dónde había estado.

Cuando llegó el momento en que tenía que revelar el secreto, lo llevaron ante el rey junto con las tres ramas y la copa de oro y las doce princesas se quedaron detrás de la puerta para escuchar lo que dijera.

El rey le preguntó: “¿Dónde bailan mis doce hijas cada noche?”

El soldado respondió: “Con doce príncipes en un castillo subterráneo” Y entonces le contó al rey todo lo que había pasado y le enseñó las tres ramas y la copa de oro.

El rey hizo llamar a las princesas y les preguntó si lo que el soldado contaba era cierto y, viendo que no serviría para nada negarlo, confesaron todo.

Así que el rey le preguntó al soldado que princesa prefería para convertir en su esposa y el soldado contestó: “ya que no soy muy joven, elijo a la mayor” – ese mismo día se casaron y el soldado fue elegido como heredero al trono.

The Birthday Party

Me gustan estos niños maravillosamente sadianos, de la fotógrafo Vee Speers. Como la fiesta es la de un Gatsby preteen, rodeado de margaritas en un jardín de catástrofes a punto de suceder. Sigh.

Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda

El madrileño Santiago Sierra, posiblemente el artista contemporáneo español más famoso del mundo, acaba de exponer una obra en una galería de Londres consistente en 21 monolitos compactos de caca seca.

Una obra de mierda, podría decirse. Pero, aunque todos sabemos que Sierra no es el primer artista que hace una obra de mierda, esa no es la cuestión. Lo importante es que la materia prima de la obra ha sido recolectada a mano por mujeres de Nueva Delhi y Jaipur "cuya casta les impide tener otro trabajo que sacar la mierda de los baños públicos". Por si no lo han notado aún, Santiago Sierra es el artista de la conciencia. Pero no la suya, sino la de ustedes.

El artista como turista de la catastrofe. Hace dos años, la instalación de Sierra en Pulheim (Alemania) fue suspendida porque un grupo de judíos furiosos amenazaron con prenderle fuego. El artista había convertido una sinagoga en una improvisada cámara de gas, en la que los visitantes debían entrar de uno en uno, protegidos por una máscara de gas. Se llamaba Una protesta contra la banalización del Holocausto.

Hace cuatro, Sierra recogió diez emigrantes iraquíes en Londres, los puso contra la pared y los roció con espuma de poliuretano. Después esperó a que endureciera y grabó todo el proceso en video. Si no llevaran trajes y visores de protección, el arte les habría matado.

Todo tiene solución en esta vida. Como Diane Arbus, a Sierra le gusta llevar a banqueros, directores de museos y alta sociedad en general a ver cosas que no han visto nunca, precisamente porque pagan a gente para que las elimine, las tape o las disfrace. En este caso, mierda.

Pero cuidado: mierda seca, sanitarizada, mezclada con fevicol (un aglutinante plástico), curada en moldes de madera aromática y convenientemente desodorizada para no ofender a la delicada audiencia. Vamos, la misma mierda de siempre, sólo que en forma de monolito, con una historia de terror en la etiqueta y la muy cristiana intención de despertar un incontestable sentimiento de culpa.

Richard Dorment, el crítico del Telegraph, lo ha llamado "el olor inconfundible de la culpa gratuíta". Pero Richard Dorment, con cuyo apellido me entran ganas de hacer chistes malos cada vez que le leo, es un exagerado: hay culpa, vive dios. Pero, si se hace insoportable, Sierra ofrece un analgésico que ha funcionado durante, al menos dos mil años: dar dinero a la causa. Es decir, la misma mierda de siempre, pero en una galería del West End Londinense, rodeada de restaurantes de lujo y hotele con servicio de masajes en la habitación.

Dicen que el arte contemporáneo es y seguirá siendo el único superviviente de la crisis. Lo mismo dicen de las cucarachas. En los dos casos, es posible -y lamentable- que tengan razón.

El viejo arte de la visualización de datos

Ayer, después de ver a JL y a Ben Fry en el simposio de Medialab sobre visualización de datos, me llevé uno de los libros de la biblioteca del centro para escribir mi pequeña pieza sobre Visualizar.

Todos los libros de Edward Tufte son preciosos pero lo que más me impresionó de The Beautiful Evidence fue el mapa de Minard con la marcha napoleónica de 1812 desde que cruzan la frontera rusa hasta que vuelven a Polonia.

El mapa es de 1869 y, como decía finalmente en el artículo, tiene tres elementos que en realidad son dos: la línea que representa al ejército francés (marrón a la ida, negra a la vuelta) y la temperatura.

Viaje alucinante al origen del modernismo

En su polémico libro Transformations in Late 18th-Century Art (1967), el historiador Robert Rosenblum argumentaba que las raíces del Modernismo no estaban en los primeros años del siglo XX, sino que se remontaban al siglo XVIII francés, donde se ven los primeros intentos de renovar las formas de representación visual en la pintura occidental.

Los franceses se pusieron tan contentos que el gobierno le hizo Caballero de la Legión de Honor en 2003 pero, para entonces, Rosenblum estaba más viajado y ya había cambiado de opinión: el verdadero renovador del paisaje no era francés sino alemán y se llamaba Caspar David Friedrich.

La fundación March abre hoy una exposición inspirada en un ensayo clásico de Rosenblum, La pintura moderna y la tradición del romanticismo nórdico. Con la de Patinir en el Prado, promete ser la exposición del año.

Yo he hecho una pequeña galería, aunque confieso que algunos de los cuadros podrían no estar en la exposición, pero que me gustan mucho. Por ejemplo, el que ilustra este post, que hizo Friedrich en 1826.

Operación: salvar el Reina Sofía

El culebrón del Reina Sofía es mi tema favorito del mes. Hoy se abre el cargo de director artístico a concurso y ésto es lo que he escrito para la ocasión:

Antonio Molina tiene prisa: está decidido a cambiar el Reina Sofía antes de que las elecciones le cambien a él. Tras la dimisión de Ana Martínez de Aguilar y la renovación del patronato, el Ministerio quiere despolitizar y profesionalizar el museo. Para hacerlo, ha empezado por cargarse el puesto de director.

A partir de ahora, el Reina Sofía no tiene director; la programación cultural del Museo Nacional de Arte Contemporáneo la llevará un director artístico, un comisario de exposiciones del centro. La política quedará en manos del Organismo Autónomo Museo Nacional Centro Reina Sofía al Presidente (el Ministro de Cultura), del Real Patronato y de un gestor, que mantendrá el rango de Subdirección General.

De Director General a Comisario de exposiciones. El Director artístico será responsable de la dirección artística del Museo; la dirección, coordinación y planificación de la actividad de los departamentos y servicios a su cargo. De puertas afuera, será la cara y la voz del Museo; de puertas adentro, presentará sus propuestas al Real Patronato y dependerá de su aprobación en todo, tanto en el manejo de la colección (compra, intercambio, reagrupación y exposiciónde las obras), como en todas las dependencias que deriven de su cargo,desde el programa de exposiciones y proyectos hasta la delegación de comisarios externos para muestras puntuales.

Comparado con las condiciones del pasado cargo, se diría que el director artístico no manda mucho en el museo pero lo cierto es que los cambios se ajustan más a las condiciones de los museos internacionales, donde hay un cuerpo administrativo y gerente que hace pasillos y un intelectual que compone los programas. "Los museos-decía hace unos días Manuel Borja-Villel en una entrevista- deben dirigirlos intelectuales, no gestores". Y tiene razón.

Sigue leyendo Operación: salvar el Reina Sofía en ADN.es

MÁS: Tres años de mediocridad

las vanguardias

Una exposición del MoMa recuerda la arquitectura modernista soviética desde la revolución del 17 hasta la llegada de Stalin. El NYTimes le dedica un artículo, The silent Radicals, que está lleno de la nostalgia esa de lo no vivido que te entra cuando paseas por la avenida de Karl-Marx y el sol hace doradas las baldosas y se ven los árboles de detrás, balanceándose al viento.

La exposición es de arquitectura rusa pero hoy todo me trae a Berlín. Deberían irse todos a allí de vacaciones. Nunca ha estado tan bonito.

+ la expo
+ la galería

The crying of Lot 403

El catálogo decía "escuela continental del siglo XVIII, retrato de un esteta" y el precio estimado era de 450-700 euros. Era un retrato a medio cuerpo, oscuro, representando a un hombre de mediana edad con una expresión de melancólica angustia. Su dueña lo había comprado hace 33 años en unos saldos de la misma comarca, Leicestershire. Según Mark Gilding, responsable de la casa de subastas, la llegada del cuadro cambió por completo la atmósfera del salón.

"El ambiente se puso tenso" -relata el hombre. -"La subasta parecía inacabable". Dos compradores se enredaron en una lucha que duró varias horas. Al final, la puja se cerró con 205.000 libras esterlinas, algo más de 300.000 euros.

Al principio estaban muy contentos; Gilding es una casa de subastas pequeña, con 45 ventas al año de unos 300 euros cada una. La dueña, ignorando su valor, había tenido el cuadro guardado en un sótano durante 33 años y de pronto lo vendía por un precio cuatrocientas veces superior al de salida. Unas horas más tarde, cuando la noticia llegó a Londres, el encantamiento se rompió: el cuadro era un Tiziano de principios del siglo XVI y su valor aproximado supera los siete millones de euros.

Sigue leyendo Un Tiziano a precio de saldo, mi último artículo para ADN.es

She loves the moon

She Loves the Moon es un elige tu propia aventura hecha con stencils en las calles del Mission district de San Francisco. También es una historia de amoir. O de desamor. Depende.

Via: Brooklyn's Next Viral Marketing Campaign.

If we did it

Mientras el mundo discute sobre si Banksy está corrompido y si el grafitti de auteur vale para algo, el splasher sigue acaparando la atención de las mejores cabeceras de la gran manzana. Aunque muchos grafitteros y defensores del medio se quejan amargamente en diarios, blogs y entrevistas, sólo uno se ha dado cuenta de un detalle importante. Esto es un poco como youtube y la payada de la vaca: sólo se puede contestar pintando.

Qué maravilloso sería que Banksy y su archinémesis fueran la(s) misma(s) persona(s), como unos archiduques del Caos contra el mercado del arte contemporáneo.

Con ustedes, el Manifesto.

una noche en el museo

El día 18 de Mayo, desde 1977, es el Día Internacional del Museo.

Los museos dependientes de la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura celebran El Día Internacional de los Museos y La Noche de los Museos a través de una amplia programación de actividades con las que invitan a los ciudadanos a redescubrir sus colecciones.

Durante el día 18 de mayo la entrada a los 14 museos estatales será gratuita, al igual que todas las actividades de la noche del 19 de mayo, que tendrán acceso libre hasta completar aforo. La apertura nocturna de las instalaciones ofrecerá una programación de conciertos, danza, talleres, cine, conferencias, visitas guiadas, dramatizaciones teatrales o proyecciones audiovisuales.

Jornada internacional en 145 países. El Día Internacional de los Museos se celebra el 18 de mayo en todo el mundo desde el año 1977, tras una resolución aprobada en la XII Asamblea General del ICOM (Consejo Internacional de Museos), una organización no gubernamental dependiente de la UNESCO y con estatus de órgano consultivo del Consejo Económico y Social de Naciones Unidas.

Para este año 2007, el lema elegido por el ICOM para el Día Internacional de los Museos es “Museos y patrimonio universal”, con el que se pretende fomentar, mediante la organización de múltiples y diversas actividades en más de 145 países de todo el mundo, el acceso a las colecciones de los museos para mostrar la estrecha relación entre diversidad cultural y patrimonio universal.

Por favor, disfruten de La Noche de los Museos. Yo probablemente aterrice en el Arqueológico. LA programación, después del salto.

LA NOCHE DE LOS MUSEOS en el Museo Arqueológico Nacional Sábado, 19 de mayo 2007

Entrada gratuita
HORARIO EXTRAORDINARIO: 19,00 a 24,00 h.
PROGRAMACIÓN ESPECIAL

El Museo se une a esta iniciativa internacional festejando su ya larga historia. En relación con el tema El Museo ayer y hoy se proyectará permanentemente un multimedia en el vestíbulo y, en directo desde el jardín, nos envolverá la música de los locos años veinte, en los que el Museo desarrolló su primera etapa. Además, se ofrecerá un programa extraordinario de actividades desde las 19,00 hasta las 24,00 horas. Todo ello contribuirá a dar un aire festivo a la visita.

INAUGURACIÓN
19,00 – 19, 20 Inauguración y bienvenida. Vestíbulo

VISITAS GUIADAS
19,30 El Museo ayer y hoy. Francisco Juez. Atacama. Servicios culturales. Punto de encuentro: vestíbulo
19,30 El camino hacia el mas allá en el Antiguo Egipto. Esther Pons. Sala 13
20,00 Mitos, héroes y hombres. Un paseo por la escultura ibérica. Eduardo Galán. Sala 19
21,00 Los metales en la Edad del Bronce Salvador Rovira. Sala 5 y 6
22,00 El Museo ayer y hoy. Francisco Juez. Atacama. Servicios culturales. Punto de encuentro: vestíbulo
22,00 Mitos, héroes y hombres. Un paseo por la escultura ibérica. Eduardo Galán. Sala 19
22,30 El camino hacia el mas allá en el Antiguo Egipto. Esther Pons. Sala 13

LA HISTORIA CONTADA POR SUS PROTAGONISTAS. Areva, una mujer de Numancia
Monólogo teatralizado
El conmovedor relato de esta mujer numantina ayuda a reconstruir mentalmente los acontecimientos históricos: una nueva y atractiva forma de dar a conocer nuestra Historia.

Horario de sesiones: 19,30; 20,30; 21,30 y 22,30 h.
Lugar: Sala 9. Aforo limitado

EL MUSEO ANIMADO
Los visitantes se encontrarán durante toda la noche con personajes literarios, autores o trovadores de otras épocas, transmisores del mundo del que proceden.

Lugar: Todas las salas del Museo

CONCIERTO CONTINUO. Los locos años veinte
Por el grupo musical El hada verde. Gloria Ramos (contrabajo), Diego Araoz (guitarra) y Lucas Fuentes (percusión)

Lugar: Jardín

BAR EN EL JARDÍN

shoot me

Domestic tension: el artista iraquí Wafaa Bilal vive desde primeros de mayo en la galería FlatFile de Chicago. Cualquier usuario de la Red puede observar su vida durante las 24 horas del día a través de una cámara web. Y, si le apetece, dispararle con una pistola de paintball.

Bilal’s self imposed confinement is designed to raise awareness about the life of the Iraqi people and the home confinement they face due to the both the violent and the virtual war they face on a daily basis. This sensational approach to the war is meant to engage people who may not be willing to engage in political dialogue through conventional means. Domestic Tension will depict the suffering of war not through human displays of dramatic emotion, but through engaging people in the sort of playful interactive-video game with which they are familiar.

Algunos de los videos están ya en el tubo. (via)

nos pagan por limpiar, no por hacer crítica de arte

Desde que Banksy es un artista de Moma y no un adolescente desempleado y antisistema armado con un spray, los que peor lo pasan son los funcionarios del ayuntamiento y sus servicios de limpieza. Por culpa de Banksy, esta gente vive sin vivir en sí.

Hace unos días, sin ir más lejos, el escuadrón de limpieza de la estación de Old Street en Londres limpió un conocido mural en el que el artista había reinterpretado una escena de Pulp Fiction, sustituyendo las pistolas de Travolta y Samuel L. Jackson por sendos plánatos sin pintitas (posiblemente cubanos, decididamente no de canarias). Para ellos fue un brochetazo más en su larga carrera de jardineros del espacio público-pero-hasta-cierto-punto. Quizá un poco más jodido porque estaba pintado en colores fuertes y el marco negro que ven en la foto tiene que ser malo de lavar. Para el vecindario, sin embargo, ese mural era lo más cerca que habían estado de comprarle un cuadro a la Tate Modern. Y no se lo han tomado nada bien. George Thomas, barbero local, le contó al Independent que la imágen le había dado un empujón a la zona y que la gente venía de todas partes para fotografiarla. Y ha añadió: nadie podría confundirla con un graffiti. El que la ha destruído es un imbécil.

¿Se dan cuenta? Nadie podría confundirla con un grafitti. Salvo, quizá, el propio Banksy o cualquiera que sepa lo que es un grafitti. Según la wikipedia, el término

está tomado del latín graphiti: en italiano, "graffiti" es el plural de graffito, que significa "marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro" y así se llaman las inscripciones que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano. Raffaele Garrucci divulgó el término en medios académicos internacionales a mediados del siglo XIX. El cultismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años setenta.

Según el mundo desde entonces, el grafitti es una obra de arte/acto de vandalismo criminal perpetrado por una o varias personas/delincuentes en un espacio público a golpe de raspa, pintura o spray. Si en Independent le hubiera preguntado al barbero qué diferenciaba el mural de Banksy del grafitti, probablemente hubiera dicho: que es "arte". Queriendo decir que es bonito (agradable de ver), que hacía bonito en el barrio y que lo ha hecho un artista famoso (que son los que salen en la sección de cultura y no en la de sucesos). El servicio de limpieza del metro de londres está más o menos de acuerdo con él, pero tiene problemas mayores. Nos damos cuenta -dijo decía el portavoz de la TfL- que hay gente que ve las obras de Banksy como obras de arte legítimo. Lamentablemente, nuestro equipo de limpieza de graffiti está lleno de limpiadores profesionales, no de críticos de arte.

Me pregunto qué piensan los otros artistas callejeros de que lo de Banksy sea arte y el restro delincuencia o si el ayuntamiento pondrá un boletín semanal para que sus escuadrones sepan a cómo cotizan los grafiteros locales antes de levantar la brocha. Un menda que se dice cercano al artista ha dicho: you wouldn't paint over a Van Gogh and nor should you paint over a Banksy. Me pregunto si el propio Banksy estaría de acuerdo con él.

MAS en LPC: un graffiti en un museo es un fraude.

cosas que ver estos días en madrid

El retrato: el espejo y la máscara (en el siglo de Picaso) en el Thyssen (paseo del prado) y la fundación Cajamadrid (plaza de las descalzas) hasta el 5 de julio. En cajamadrid es gratis.

Roy Lichtenstein: de principio a fin en la fundación Juan March hasta el 27 de mayo. entrada gratuita

Nam June Paik y Corea: De lo fantástico a lo hiperreal en la Fundación Telefónica hasta el 20 de mayo.

Segunda oportunidad para Escher: El Arte de lo Imposible ha sido prorrogada hasta el 15 de Abril.

No se pierdan... La noche de los libros. El 23 de abril por todo madrid capital. Y por segundo año consecutivo, me la voy a perder.

Y ustedes, ¿han visto algo que merezca la pena?

el diablo en los detalles

Gales and Gasps es una colección de patrones barrocos deToile de Jouy con un toque kinky. Pero, como en toda la producción de Kent Henricksen, ¡hay que fijarse!

Estos días, Gales and Gasps se puede ver en la Atle Gehrardsen deBerlin. Reg le dedicó un post y le sacó fotos para que podamos apreciar el exquisito trabajo de aguja.

Tim Hawkinson: Octopus

Mañana se inaugura una exposición de Tim Hawkinson en el Getty de Los Angeles con cuatro obras que ha comisionado el centro: un murciélago, una columna, un dragón y la muy adorable criatura que ilustra este post. Junto con los nuevos, el museo acoge “Überorgan,”, una caverna tentacular, monstruosa y musical del tamaño de un autobus escolar. Como estar dentro de la ballena, pero en pulpo.

Un especial de la PBS sobre Hawkinson.

Destroy the museums, in the streets and everywhere

Un protestante anónimo que los medios han bautizado como "The Splasher" está cubriendo los graffiti de Nueva York con cubos de pintura y un manifesto condenando a los artistas callejeros de haberse aburguesado. Una parte del manifesto dice Destroy the museums, in the streets and everywhere.

Me ha recordado a una anécdota divertida que contó Mogens Jacobsen cuando presentó su Crime Scene en el segundo Copyfight.

Crime Scene es un circuito cerrado en el que dos ordenadores, sin teclado ni ratón, intercambian archivos de música. El intercambio sucede de manera que, cuando uno de los ordenadores tiene el arcivo completo, el otro ordenador lo solicita de vuelta y así hay una serie de canciones en circulación, siempre las mismas, que van de un disco duro a otro sin intervención humana de ningún tipo. La pieza se llama Crime Scene porque los ordenadores están cometiendo una infracción, aunque ninguna de esas canciones llegue a escucharse nunca. Con ella Jacobsen quería mostrar los aspectos más absurdos de las leyes de Propiedad Intelectual.

Las instituciones danesas encontraron la obra interesante pero no la podían mostrar, precisamente porque vulneraba los derechos de los artistas cuyas canciones se estaban intercambiando. Para solucionar el problema, el ministerio de cultura propuso la siguiente solución: ¿por qué no comprar los derechos de las canciones para ambos ordenadores? Jacobsen, evidentemente, les tuvo que decir que no. Sin crimen, su obra no tenía sentido. Irónicamente, estarían vulnerando sus derechos de Propiedad Intelectual al alterar, aunque sólo fuera conceptualmente, su instalación. Le habrían convertido en un fraude.

Me acordé porque son casos gemelos: después de tres décadas discutiendo si el arte callejero es arte o no es arte, al integrarlo finalmente en el canon académico junto con el resto del arte contemporáneo, han alterando lo más esencial de su naturaleza, su capacidad de existir fuera del sistema y contra el sistema. Que Marc Schiller, de Wooster Collective diga que está desconsolado por la facilidad con que se puede destruir una obra de arte de manera anónima no hace más que confirmar las acusaciones. El grafitti no es eterno, pertenece al entorno y cambia con él, igual que la relevancia de su mensaje o la belleza de su representación. Un graffiti en un museo es un fraude.

En mi última visita a Barcelona, un atractivo comisario de exposiciones me dijo al oído: todos los museos deberían arder hasta los cimientos. Parece que ya sois dos.

the perfect narcissist

El NYMag conmemora 20 años de la muerte de Andy Warhol. El NYTimes, a Anna Wintour.

Los críticos han destrozado Factory Girl:

Slate: ... is a bit like Sedgwick herself—whatever substantial qualities it might once have possessed have been wasted, picked over by rumor and gossip, and sullied by the pawing of many hands. | LA Times: A brisk, superficial treatment of the tragic supernova life of Edie Sedgwick, "Factory Girl" disappoints as both biography and drama. | Salon: ... a strange little affair, and not a wholly successful one | NT Times: ... should suggest a magazine layout masquerading as a film | NYMag: A powerful antibacterial agent took care of the theater’s smell, but not the film’s (...)

Independientemente de lo mala que sea la película, el trailer me ha dejado cuadrada. Sienna Miller se parece tanto a Eddie que, más que caracterización, parece una posesión demoníaca.

vera hartmann: SFU Porn

Me asombra lo mucho que se parecen algunas fotos de vera hartmann a algunas partes del biopic de Savannah que hizo David LaChapelle con Ana Claudia Michels. No sé si dice algo de las productoras retratadas (Wicked Pictures y Sin City Pictures, California) o del talento de la propia Vera para encontrar los momentos de luz. (via)

El Arte de lo Imposible: Escher en Madrid

No en persona, claro. Me acabo de enterar por Alvy que el Centro Arte Canal tiene una exposición dedicada a M.C. Escher. Se llama El Arte de lo Imposible y dura hasta el cuatro de marzo.

Toda la sala está a oscuras y las obras cuelgan de paredes tenuemente iluminadas, rodeadas de algunas explicaciones e inspiradoras frases del autor. Grandes pósters muestran sus dibujos imposibles, como Belvedere o Cascada, de las que también pueden verse los originales. Un gigantesco pasillo con el suelo decorado con Metaforfosis II, de la que también se expone el original (de cuatro metros de largo), lleva a los visitantes de una zona a otra. Realmente espectacular.

Además de esto hay dos espacios realmente singulares: La Mezquita Isótropa, que es una zona de descanso laberíntica en blanco y negro y La Caja Mágica, un montaje escultural con algunos de los motivos recurrentes de Escher: escaleras, lagartos y la gravedad en todas direcciones. Además de eso hay varios vídeos, uno de ellos el interesantísimo efecto Droste. A pesar de haber leído muchos de los libros sobre Escher, encontré muchos trabajos del autor que no había visto con anterioridad, sobre todo de su primera época y de los paisajes italianos. Pude confirmar que las otras Metamorfosis I y III, sobras las que escribí hace unos días, no estaban expuestas.

En Microsiervos podeis leer el resto del paseo (que es casi como estar allí) y con un montón de enlaces interesantes.

packet garden

Packet Garden es un sistema de visualización de tráfico en la Red que muestra las páginas visitadas, los paquetes descargados, la información enviada y recibida durante nuestro tiempo de conexión en un pequeño mundo de valles, colinas y plantas exóticas por el que podemos pasear. Cada sesión es distinta y genera un mundo distinto que refleja fielmente nuestra actividad en la Red. Cuando más promiscuos seamos, más frondoso será nuestro mundo. Cuanto más tiempo mantengamos la aplicación funcionando, más plantas cultivaremos.

Packet Garden es un proyecto de Julian Oliver para el Arnolfini de Bristol. Está disponible para Linux, Windows y OSX y es 100% software libre. La primera beta se puede descargar de su página, donde también se pueden ver las diferentes especies generadas por diferentes protocolos y localizaciones, así como los espacios negativos de la red, que son las IPs secretas de algunas organizaciones.

Antes de descargar, leed atentamente las instrucciones y requisitos del sistema. Packet Garden es 3D, no apto para todas las tarjetas gráficas.

Actualización. En su segundo día, PG ha sido diggeado, con todas las consecuencias que ya conocemos. Si la página no carga como debiera, tengan paciencia, prueben de nuevo más tarde. Hay un par de mirrors aquí.

F. Holland Day: la pasión de otro

En el verano de 1898, el fotógrafo americano Fred Holland Day subió con unos amigos a una colina de Boston para representar la vida, muerte y resurrección de Cristo. La aventura produjo una fuerte controversia (relean la fecha) y unas 250 obras, la más famosa de las cuales -The Seven Last Words of Christ- es la pieza central de la última exposición del Whitney.

Photography and the Self: The Legacy of F. Holland Day muestra una colección de obras donde el artista ha sido, al mismo tiempo, artista, modelo y "el otro". Hay obras de Charles Ray, Francesca Woodman, Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, Lyle Ashton Harris y otros. El NYTimes le dedica el artículo Self-Portraits That Obscure the Self, aunque la verdadera estrella de la temporada es Doug Aitken y su instalación-motocine en el Moma: MoMA’s Off-the-Wall Cinema + MoMA Does a Drive-In.

Soane's Magician: the Tragic genius of Joseph Michael Gandy

Once upon a time, there was a wizard who knew what Heaven and Hell looked like. In fact, he designed them. He also drew the greatest royal palaces that Britain has ever dreamed of, and a massive new Parliament building. He assembled complete, monumental cities and prototype skyscrapers. The name of this magician was Joseph Michael Gandy, and he did all this in the first few decades of the 19th century. Gandy was doomed to disappointment - he built very little in the real world, and was destined to be comprehensively eclipsed by another architect. He died a mad, penniless, abandoned old man. But he was no failure, because his extraordinary visions survive.

· Soane's Magician: The Tragic Genius of Joseph Michael Gandy fué una exposición del Soane de Londres, paralela a la publicación del libro Joseph Gandy: An Architectural Visionary in Georgian England, de Brian Lukacher. Además, es mi regalo de reyes para Jose.

The Guardian: Feel that draught + Let there be light

The Sunday Times: Illusions of grandeur, por Hugh Pearman.

How to Make a Fake

Algo tarde pero a tiempo, me he estampado contra éste maravilloso artículo en el NYMag. Les traduzco un poquito:

"El vaso de Lilas" no es una de las obras más importantes de Paul Gauguin. Es una obra de "gama media", lo que significa que cambia de manos con frecuencia por tan sólo unos cientos de miles de dólares sin levantar mucho polvo. Pero, en mayo de 2000, esta pintura demostró que todavía era capaz de volver algunas cabezas. Cuando Christie’s y Sotheby’s lanzaron sus catálogos para las subastas de arte moderno, descubrieron con asombro que las dos ofrecían la misma pintura -y las dos pensaban que la suya era la original.

Una de las pinturas era claramente falsa. Las casas de subasta mandaron las dos pinturas a Sylvie Crussard, una experta en Gauguin del instituto Wildenstein en Paris. Las puso una junto a la otra y en pocos minutos identificó la de Christie’s como la que, como se dice en el delicado argot del mercado del arte, "no estaba del todo bien". Aun así, era la mejor falsificación de Gauguin que había visto nunca. "Era un caso único de semejanza" -se maravillaba Crussard. -"Nunca se ven dos trabajos que se parezcan tanto".

Christie’s transmitió la noticia a los espantados dueños en la Gallery Muse de Tokyo, que no tenían la menor idea de que fuera falsa. La pintura original volvió a Sotheby’s, donde su dueño -el dealer newyorquino Ely Sakhai- la subastó con éxito por 310,000 dólares. Pero cuando el FBI siguió la pista del falso Gauguin, descubrieron algo todavía más sorprendente: la fuente original no era otra que el propio Ely Sakhai.

Como sabrán los que asistieron a las proyecciones de F for Fake, el fantástico documental de Orson Welles, durante el primer episodio de Copyfight, la falsificación de arte es una tradición antiquísima que se remonta a los principios mismos del arte occidental. Los romanos sentían tal pasión por la escultura griega que los talleres de trabajo estaban llenos de réplicas indistinguibles del original. Thomas Hoving, antiguo director del Metropolitan Museum of Art, comentó que hoy día es prácticamente imposible distinguir el original griego de la copia romana. Después los europeos copiaron a los romanos y, en la edad media, las copias de despojos de cristo y pañitos de la vírgen se multiplicaron tan milagrosamente como los trozos del muro de Berlín: cada iglesia quería tener su cosita sagrada para fomentar el turismo de peregrinación y hacer una colecta digna. El más famoso de esta guisa es el Sudario de Turín, un pañito de lino rectangular de 436 cm de largo y 110cm de ancho tejido a espina de pescado cuya única particularidad es haber envuelto el cuerpo de cristo. En el siglo XIV.

El arte en la era de la reproducción mecánica. No se les puede culpar. ¿Quién de los que me están leyendo son capaces de distinguir un original de una copia? Nos tenemos que fiar, ¿no? ¡Vaya chollo! La mayor parte del tiempo, la diferencia entre el original y la falsificación ha sido la palabra de una parte interesada, bien fuera la iglesia, un coleccionista en desgracia o un dealer newyorquino con vicios caros. ¿En qué deja eso al original? Ayer un amigo decía que, en relación con el arte, la gente se imagina millares de giocondas y las siente inmediatamente devaluadas. Sin embargo, una de las características de "lo digital" es la copia perfecta, por lo que -a diferencia del falso Gauguin- el original es indistinguible de su copia. ¿Es por tanto menos valioso? Y si no lo es, pero sus copias son copias perfectas, ¿son todas y cada una de ellas igual de valiosas que el original?

Hagamos un pequeño experimento. Cojamos cincuenta amantes del arte en una habitación con diez cuadros. Si les dijéramos que todos los cuadros son copias, les echarían un vistazo y se marcharían rápidamente. Pero si les dijéramos que todos son copias menos una, se lanzarían entusiasmados a las búsqueda del original, como si un aura mágica se desprendiera del lienzo igual que la divinidad de los santos. Y, cuando por fin reveláramos el tesoro escondido (aunque fuera una de las copias escogida al azar), todos dirían "aaaaah" y empezarían a hablar entre ellos de cómo se dieron cuenta de que aquel cuadro era "diferente" aunque no estaban del todo seguros por este detalle de aquí. Porque, por supuesto, el original es diferente. Aunque las dos casas de subastas de arte más importantes del mundo tengan que pagar a una franchute para que les diga cuál es.

La importancia del original -especialmente en el mundo del arte digital -no es el valor histórico de mirar una pieza que haya sido tocada por la gracia de un genio que murió en la miseria, ni el valor moral de poseer la pieza legítima, garantizada, la que -volviendo al delicado argot del mercado- está bien. El verdadero valor del original es que existe. Es una regla de tres simple: para que haya una copia tiene que haber un original. Una vez existe, la copia no un crímen que deriva de él sino su eco, la onda expansiva de su grandeza. Y Warhol no inventó la réplica, sólo la mecanizó.

Pero, volviendo a los dos Gauguins, y en caso de que no hayan leído el artículo que ha motivado este post, les recomiendo al menos que sigan la receta del New York Magazine para ser un falsificador de éxito: compra un Gauguin mediano. Duplícalo. Cuela los documentos originales en la copia. Vende las dos pinturas a dos coleccionistas crédulos mientras el mundo del arte mira para otro lado.

Fred Eerdekens: wire graffiti

Fred Eerdekens utiliza alambbres de cobre para escribir con sombras en la pared. Curiosamente, si miras sólo los alambres parece que esté escribiendo en árabe (es una impresión). Mucho más bonitas, sus impresiones con árboles. (via)

MAS: Fred Eerdekens en Flickr.

vicios modernos

"Puede que estos nombres no te digan nada, pero están mucho más cerca de ti de lo que piensas. Dos productos de una generación frustrada, medio-romántica, medio-mecanizada, que es muy posible que sea la última". En la conversación ambos se confiesan perturbados porque antes todo el mundo era de extrema izquierda y ahora los Sex Pistols son unos anarquistas de extrema derecha que se traspasan la carne con insignias nazis. Luego mantienen una amable disertación sobre los beneficios de la heroína. Efectivamente, como pronosticaba el Star eran genuinos representantes de una generación que iba a ser la última.

Borja Casani habla sobre Alberto García-Alix y su Vicios Modernos en un especial en del Babelia pasado.

John Klima en WMMNA

Recomiendo apasionadamente la entrevista de Regine a John Klima, posiblemente uno de mis artistas favoritos de los últimos años. Algunos habrán leído su artículo sobre Go Fish el último número de la revista a minima; otros habrán visto su macro-instalación Train en META.morfosis, un proyecto especial del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Moderno con otros 25 figuras del arte digital. La entrevista es larga pero maravillosa y está llena de joyas.

There is no such thing as intuition, only habit. A scroll bar is intuitive only if one has seen a scroll bar before. If one has never seen a scroll bar, good luck. If a user is indeed familiar with a scroll bar and if this scroll bar suddenly looks or behaves differently than every other scroll bar, you're really in trouble. Yes there are visual cues that may help with understanding how an interface device functions, but no device is intuitive if one is coming from a place of inexperience. Each individual is different, and behaves differently with an interaction. You can never address the needs of all users in an interface, and as an artist, I choose to address none.

Pettibon: Los derechos intelectuales se están convirtiendo en un obstáculo para la creación

Sus primeros dibujos conocidos fueron portadas de una banda punk, Black Flag, de la que formaba parte su hermano. Actualmente no hay colección de arte contemporáneo que se precie que no cuente con alguna obra suya. Sus dibujos cercanos a la estética del cómic llevan casi siempre textos retorcidos, punzantes o de una extraña mística que se queda rondando la cabeza.

(...) "Mis primeras referencias eran las historietas de humor político en los periódicos, las que salen en las páginas editoriales. Ése es mi principal punto de partida. Yo tomo prestado de todo y de todos lados, personajes de la televisión, de los dibujos animados", explica.

Sus trabajos usan con frecuencia citas literarias de escritores como Henry James, John Ruskin, Marcel Proust, William Blake o Beckett. Citas textuales, préstamos. En el tira y afloja de la piratería y los derechos de autor, hoy en día una técnica como el collage no podría haberse inventado. "El copyright se ha convertido en un asunto de política económica, incluso desde entidades como Disney, que nunca hizo nada original en su historia. Los derechos intelectuales se están convirtiendo en un obstáculo para la creación y están extendiendo esas trabas hacia el futuro".

El articulo entero sobre Raymond Pettibon, en Babelia.

Marry, and you will regret it

Do not marry, and you will also regret it.

Ars Electronica 2006

Si no estan en Ars Electrónica y, a pesar de todo, hubieran querido ir, sigan el rastro de miguitas de JL en Elástico, en directo desde Linz . No se puede pedir más por menos. No se pierdan la silla.

Bansky featuring Hilton: Race To The Bottom of the Pile

Luego nos quejamos de que los CDs están a cojón de pato. Si son listos -y viven en el U.Kingdom- correrán a las tiendas a hacerse con el disco de Paris Hilton. Con un poco de suerte no se encuentran el original sino el cambiazo: Banski ha sustituído 500 copias del muy esperado