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Abril 06, 2011

Mañana, Petite y Lovecraft en Castellón

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Mañana a las seis de la tarde, servidora tiene el honor de presentar Una exposición sobre lo innombrable, la abominable colección lovecraftiana de las VII Jornadas de Cómic de Castellón, el ComiCS-11.

Algunos recordarán que el proyecto empezó en La Maison d’Ailleurs, el unico museo de ciencia ficción de europa (Yverdon-Les-Bains, suiza) y que está basada en el Commonplace Book de H.P. Lovecraft.

Antes de mi intervención, en la sala se podrá ver The Call of Cthulhu, la preciosa película muda producida por la H.P. Lovecraft Historical Society en 2005.

Febrero 15, 2011

Baader-Meinhof

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The woman knows there is someone else in the room with her without turning. She looks at the painting of Ulrike, one of three related images. The man asks, "Why do you think he(the artist) did it this way?" She does not answer. "I'm trying to think of what happened to them." She answers, "They committed suicide. Or the state killed them."

..."They were terrorists, weren't they?" He asks. "When they're not killing other people, they're killing themselves." He pesters her, asking her if she taught art. She didn't want to tell him that she is out of work and that she'd been there three straight days, staring at paintings made from photographs of the bodies of Andreas Baader, Gudrun Enssln, and a man whose name she could not recall. Then he asks her what she saw in the paintings. "At first, I was confused, and still am, a little, But I know I love the paintings now." "Tell the truth," he said then. "You teach art to handicapped children."

Todos los meses, la editora de ficción del New Yorker le pide a un colaborador que lea su historia favorita publicada en la revista desde su primer número, en 1925. En abril del pasado año, Chang-rae Lee eligió “Baader-Meinhof”, de Don DeLillo y yo, que no conocía el texto, lo escuché ayer y me gustó. Se puede descargar aquí.

Como introduccion: una mujer visita repetidamente la exposición de Gerhard Richter con los retratos de Andreas Baader, Gudrun Ensslin, Holger Meins y Ulrike Meinhof, más conocidos como la Red Army Faction (RAF). Richter los pinta tal y como los publicó la policía en la prensa alemana, muertos en sus celdas. Alli hay un hombre que la empuja extrañamente a hacer una serie de cosas que no quiere hacer.

El título de la exposición de Richter, October 18, 1977, es el día que los cuerpos de Baader y Ensslin fueron encontrados en la prisión de alta seguridad de Stammheim. Holger Meins había muerto un año antes en la misma prision en una huelga de hambre y Ulrike Meinhof se había colgado. Todas las muertes fueron anunciadas como suicidios, aunque la izquierda alemana siempre defendió que los chicos habían sido asesinados. La policía declaró que Baader se había disparado a sí mismo en la base de la nuca, después de disparar a la pared y al colchón para aparentar un supuesto forcejeo. Irmgard Möller, la única superviviente de Stammheim, niega haber intentado suicidarse "clavándose un cuchillo en el pecho repetidas veces" en la mañana del 18 de octubre de 1977, o que hubiera un pacto de suicidio entre ellos.

La historia me gusta porque es el retrato robot de la típica narrativa newyorquina de los ultimos años: el retrato de un retrato de un retrato que expone y a la vez esconde la realidad. Y porque, a pesar de su falta absoluta de sentido del humor, el momento en que el le dice "dime la verdad: tu le enseñas arte a niños discapacitados" me hace llorar de risa.

Como nota final (completamente irrelevante para la historia de DeLillo), dicen que el gobierno alemán hizo trasladar los cerebros de Andreas Baader, Ulrike Meinhof, Gudrun Ensslin y Jan-Carl Raspe al centro de estudios neurológicos de la Universidad de Tübingen para su estudio. Lamentablemente, tanto los archivos como los cerebros han desaparecido.

La wikipedia dice que Otto, de Un Pez llamado Wanda, es una parodia de Andreas Baader.

Octubre 06, 2010

This painting is not available in your country

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Paul Mutant, 2010
Acrylic on canvas
12" x 10"

Agosto 08, 2010

El otro Magritte

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Junio 24, 2010

Meet Julian Oliver

Julian Oliver - TEDxRotterdam 2010 from TEDxRotterdam on Vimeo.

Este es mi apuesto marido en su TED Talk. Aprovecho la ocasión para anunciar que el código que han desarrollado Julian y su amigo Damian Stewart para The Artvertiser ha sido afeitado, bañado y perfumado y está ahora a la disposición de ustedes bajo GPLv3 para que le hagan cosas.

Curiosos e interesados, pinchen en leer más. Si no entienden nada, mejor aquí.

The Code The entire project tree exists as a git repository, cloned like so on your local system:

git clone git://repo.or.cz/The-Artvertiser.git

The code should currently build on any modern Linux-based OS with the addition
of a couple of dependencies and - thanks to Damian - should also compile on OS X
with the correct prior tweaks in place. See the README file in the top-level
directory for more information.

A special 'mob' user has been set up allowing complete Read/Write access for
anyone at all. Once you've cloned the repository as above, just:

git checkout mob

.. to move to the mob branch. It's all yours!

We look forward to your improvements, forks, derivations and vandalisms.

Happy (urban) hacking!

Julian and Damian

Marzo 18, 2010

El señor de las bestias

Get the flash player here: http://www.adobe.com/flashplayer


El domingo pasado fui a ver la expo de Walton Ford y pienso volver varias veces antes de que la cierren, el 24 de mayo. Ford es famoso por sus enormes acuarelas de animales, retratos dramatizados a escala al estilo de los pintores naturalistas coloniales de la ilustración, como el ornitólogo francés Audubon y el británico John Gould. De una época en que las criaturas míticas de los relatos fantásticos llegaron a las ciudades por primera vez desde otros lugares del mundo.

En el Bestiario de la Hamburger Bahnhof, la mayoría de las piezas van acompañada de un texto, en algunos casos un extracto literario, en otros fragmentos de diarios donde se describe el espantoso final del animal retratado.

nota. Antes de seguir leyendo, sepan que la galería lleva notas, que se ven pasando el cursor por encima y que son interesantes. Algunas las he cogido de sus entrevistas, otras son los textos que acopañan al cuadro original

A veces la bestia muere a manos de un pueblacho ignorante, como El demonio de Thurneysser, el alce que tuvo en vilo al pueblo de Basel por culpa de sus cuernos rojos y que una mujer finalmente asesinó dándole una manzana llega de agujas. Hay árboles de osos ardiendo, felinos perseguidos o el famoso rinoceronte que el sultán de Khambhat regaló al gobernador portugués de Goa y que éste envió a su vez al Papa León X, en Roma. La nave en que la que viajaba el pobre animal encontró su final en una tormenta frente a la costa de Roma.

El mismo rinoceronte fue retratado por Durero en 1515 y su agónico viaje fue descrito por Saramago en El rinoceronte del Papa (1996). En la versión de Ford, vemos que el animal podría haberse salvado si no estuviera firmemente encadenado a la cubierta.

Otras veces, el final es a manos del naturalista ilustrado a la caza de un ejemplar para el museo de historia natural, como Audubon contando sus intentos reiterados de asfixiar a un ejemplar de águila dorada con carbón y sulfuro “sin dañar al animal”, hasta que finalmente consigue matarlo clavándole por la garganta una aguja de hierro en el corazón (Delirium, 2004). Este tipo de museos son como salas de trofeos del siglo XIX, demostraciones de una conquista -decía Walton en una entrevista.- Hoy esto ya no se puede hacer, es demasiado horrible. Per esas exposiciones de biodiversidad hechas de plástico no tienen ningún drama. Van en contra de la idea sobre la cuel el museo fue construído.

Pero los más exuberantes, los más radiantes, son varias piezas de sadiana decadencia que me recordaron al zorro del Anticristo (Chaos reigns!) y que atestiguan que, si la naturaleza no es la catedral de Satán, al menos es su zorra. Como el pájaro alimentando a sus crias con un pez muerto de cuyo vientre caen muchos más peces pequeños (Baba, 1997), la rabiosa isla de thylacines o el mono celoso que asesina al loro de compañía en una fuente del jardín (Sensations of an Infant Heart, 1999).

Me gustó especialmente la rama que se ha partido bajo el peso de miles de pájaros (Falling Bough, 2002) y que parece zumbar suspendida en el aire.

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The big, big thing I’m always looking for in my work is a sort of attraction-repulsion thing, where the stuff is beautiful to begin with until you notice that some sort of horrible violence is about to happen or is in the middle of happening. Or that it’s some sort of interior monologue. Walton Ford

MÁS: Especial Walton Ford en PBS | Entrevista en White Hot | Nature Boy | Man and Beast | America the Beautifully Absurd

Febrero 14, 2010

A taste for Ballard

Hoy he decidido abolir San Valentín y constituir el 14 de febrero como un día oficialmente Ballardiano aunque, si leen ustedes los periódicos, convendrán conmigo que todos los días lo son.

Esta semana, sin ir más lejos:

Clara Darling: A taste for Pornography

Larry Gagosian presenta en Londres una exposición de grandes artistas contemporáneos y ballardianos y la llama Crash. Iain Sinclair la reseña e imagina su herencia a doble página en el Guardian de ayer.

Alexander McQueen se mata y todo es Muerte, S&M, Violencia y Religión

ChatRoulette. Early ChatRoulette users traded anecdotes on comment boards with the eerie intensity of shipwreck survivors, both excited and freaked out by what they’d seen.

Katie Price, la princesa de la prensa peluquera británica, fantasea con morir como Lady Di: It wouldn't surprise me if it's a car crash

Karl Whitney refrexiona sobre la naturaleza de las autopistas: why did motorways get J.G. Ballard going?

Reaparecen Bill Moseley y Nightmare Angel, la adaptación de Crash que Zoe Bertoff no terminó en los 80.

Love I, II y III (Thank You S!)

Febrero 12, 2010

The New Arena Paintings

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Hace 7 años, Julian puso a tres bots a pelear en la version abierta del QuakeIII Arena y aprovechó un ligero deliz del sistema para convertir la sanguinaria película en un generador infinito de expresionismo abstracto. En dos horas inaugura The New Arena Paintings, la primera exposición de ioq3aPaint donde el arte cuelga de las paredes. En Dundee, Escocia.

Feturing Death, S&M, violence and religion, como en las portadas de todos los periódicos britanico del día.

Enero 30, 2010

The Art Army

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At the Merkers salt mines in central Germany, American GIs admire Édouard Manet's "In the Conservatory", one of the thousands of rare works and documents stored there by the Nazi regime late in World War II.

¿No les recuerda esta escena a un episodio de Allo Allo? ¿O era en The Black Adder?

Noviembre 21, 2009

Los nombres podridos

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Este verano, JL me pidió que escribiera un texto sobre la transición del videojuego como género hacia el videojuego como plataforma artística para el catálogo de Arcadia, un mutante llamado "mediateca expandida" de La Laboral. Huelga decir que recomiendo vivamente su visita y su lectura. El pantallazo es The Path, la reedición interactiva y gótica de Caperucita Roja de Tale of Tales. Su último proyecto, por cierto, se llama Fatale y está basado en la Salomé de Oscar Wilde y, casi más que el resultado, me ha gustado seguir el blog de su elaboración.

Los nombres podridos
En 2003, una periodista y dos programadores de videojuegos presentaron Escape from Woomera, un documental que recrea la vida de un interno en el centro australiano de detención de inmigrantes que la ONU calificó de campo de concentración moderno. Solo que, en lugar de cámaras de cine, micrófonos y entrevistas, utilizaron el motor de Half-Life, un videojuego comercial de alto nivel cuyo código estaba abierto a modificaciones. "Como desarrolladores de videojuegos, estamos hartos de que se nos trate como productores de cultura basura -explicaron en su página web.- Nosotros creamos cultura, con un medio de expresión que nos habla a nosotros y a nuestra generación: el videojuego".

El mismo año, tres estudiantes de la Universidad de California utilizaron el motor de Unreal Tournament para reproducir el ataque terrorista a las torres gemelas, un colectivo de Los Angeles construyó una simulación de la tragedia de Waco, donde los jugadores encarnan al lider sectario David Koresh y un grupo de diseñadores empezaron a trabajar en Doom for Columbine, todos ellos exploraciones sobre la naturaleza única del videojuego en un contexto político y moral. "Estos chicos probablemente no pisen jamás un museo -explicaba el profesor y artista Brody Condon, involucrado en varios de estos proyectos- y no van a pintar. Pero tienen una herramienta de crítica cultural y un medio de distribución inmediato".

"Realtime 3D es la tecnología creativa más relevante que ha existido desde la pintura -declara el Manifesto que Tale of tales leyó en el congreso de videojuegos de Atenas en 2006- y es demasiado importante para dejarla en manos de compañías de juguetes y máquinas de propaganda". Todos reivindican el videojuego como un lenguaje único, inmersivo y polifacético que les pertenece por derecho y reivindican el término, aunque cada vez parece más peligrosamente inadecuado.

El problema de los nombres. Atari lanzó su Pong al mercado en noviembre de 1972 bajo la descripción "Video Skill Game" para diferenciarse de un antepasado, el Tenis para dos de William Higinbotham (1958), que funcionaba con un osciloscopio. A efectos prácticos, la transición a la señal de vídeo consiguió catapultar el producto a un mercado de masas hambriento de tecnología y diversión, y el término describe adecuadamente el tipo de producto que definió esa época: tenis, fútbol, invasores del espacio y carreras de coches en glamuroso 8-bit. Desde entonces y, a pesar de la extraordinaria evolución que ha vivido el formato en los últimos cuarenta años, lo seguimos usando para referirnos a cualquier producto de entretenimiento electrónico que implique interactividad y gráficos computerizados que se controlan a través de un monitor.

El problema, sin embargo, es conceptual y no semántico y la proliferación de nomenclaturas que tratan de acomodar esa evolución sin perder el referente -News games, Slow games, Serious games, Art games, Sound games- no hacen sino destacar lo improductivo del esfuerzo. Si consideramos la historia del resto de las bellas artes, es posible experimentar una ligera sensación de deja-vu: cientos de veces en los últimos trescientos años hemos tenido que reevaluar nuestros presupuestos artísticos a la luz de nuevas y flamantes tecnologías. Y, sin embargo, aún no hemos aprendido a despreciar los nombres que les damos al azar.

Afortunadamente, nada de eso importa. Y, mientras las instituciones culturales y los medios de comunicación tratan de establecer si este producto de entretenimiento de masas podría ser arte, cine, música, arquitectura o literatura interactiva -como ya antes hicieron con el cine, la música, la arquitectura y la literatura-; el videojuego ha entrado ya de cabeza en el modernismo y no quiere mirar atrás.

Enero 15, 2009

Tulipanes, dicen

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Ben Lewis y Jonathan Ford vuelven a la historia más contada de la historia del mercado: los tulipanes | En The Nation dicen que lo explican, aunque lo llaman La Agonía y el éxtasis, demostrando que, o no se enteran, o nos van a timar; en el mercado del arte no hay nada de eso | Rosenbaum dice que las casas de subastas inflan las cifras para alegrar el mercado | De aquí saqué la foto, que es el único motivo por el que hago este post absurdo | Tony Shafrazi, la voz de la razón: It’s a ridiculous expectation for things to go up ten, fifteen times within a year or two. | The fine art blablabla

Octubre 30, 2008

El arte de la ilusión óptica como interfaz radical

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Los tres lugares que alumbran este post -una iglesia jesuíta en Viena, una calle de St. Etienne y el pasillo de un aristocrático edificio francés- son tres obras de arte con al menos una cosa en común: el arte sólo existe en el cerebro del espectador. O, dicho de otra manera, la obra sólo surge en el espacio vacío que existe entre su propia plataforma y los ojos del que mira. Se llama Anamorfosis y es un error de nuestro aparato visual, además del tema de la charla que da Julian esta tarde en el Medialab Prado, en Madrid.

Julian preparó esta charla a principios de año, cuando Erich Berger le pidió que escribiera algo sobre la interactividad en el arte para Homo Ludens, la última exposición de la trilogía de juegos de la LABoral en Gijón. Y sudó sangre, tinta y ceros hasta que descubrió el Op Art y, poco después, al genial Felice Varini, que crea espacios arquitectónicos con cinta de embalar en cualquier sitio y contexto que se le antoje.

Los que no puedan asistir a la charla, que es a las 19:00 en la sala del Medialab pueden leer su paper en V.O. y en castellano. La traducción es mía, con todas las pifias correspondientes. Los que puedan ir, consideren la posiblidad de asistir también al taller, donde estudiarán lo de Varini con la cinta, a ver qué pasa.

Todo esto es un proyecto del grupo de trabajo sobre Luz, espacio y percepción, dirigido por el propio Julian, Daniel Canogar y el muy querido Pablo Valbuena, que acaba de estrenar una instalación en La Haya que os hará tiritar de emoción.

Septiembre 18, 2008

fake

Apparently any image can be “copyrighted” if an artist gets there with it first. From Roy Lichtenstein’s Ben-day dots and Andy Warhol’s silkscreens, it’s a short leap to Jeff Koons’ or Damien Hirst’s or Takashi Murakami’s factories turning the stuff out.

Shock value is enough for a copyright, whether it’s a putrefying shark or a platinum, diamond-studded neo-Augsburg memento mori or a three-dimensional cartoon or a huge, shiny toy dog. With money proliferating and more and more of it pouring into the “art” market, rarity generates lower, not higher prices. Beckmanns and Tanguys cost less than Warhols or Basquiats or Richard Princes.

So what constitutes a fake? With old masters, connoisseurs devote themselves to distinguishing the master’s hand from the assistants’, and this can be done, even with objects from the pre-humanist period, when the patronage was religious and strictly formulaic.

Sigue leyendo The art factory and the death of the connoisseur, una reflexión sobre la naturaleza del original.

Julio 04, 2008

La mujer que le quitó 'El Coloso' a Francisco de Goya

Carmen está siguiendo muy de cerca el affair Coloso que tantas satisfacciones, alegrías, ooohs y ahhhs nos está regalando estos días. Cada día parece más un duelo a Los Inmortales: Sólo puede quedar uno. Y creo que tenemos al primer troll experto en restauración...

Doce años después es la Jefa de Conservación del siglo XVIII y acaba de abrir la primera polémica del mundo del arte en España desde que Ana Martínez de Aguilar dimitiera como directora del Reina Sofía: ha dicho que El Coloso no es de Francisco de Goya. Los expertos e interesados ya se han postulado en contra o a favor.

Ella dice que ha tardado casi veinte años en afirmar sin concesiones lo que sospechaba desde 1991. Las primeras dudas surgieron al preparar la exposición Goya, el capricho y la invención y, a falta de un estudio definitivo, decidió descartar este lienzo de la exhibición. Desde entonces, no se ha apartado de esta investigación.

Sin embargo, no siempre pensó así. El director honorario del Prado José Manuel Pita Andrade, uno de los críticos con las nuevas teorías, remite a los textos de Mena sobre El Coloso en el catálogo de la exposición Goya y el espíritu de la ilustración (1988). En ellos la conservadora no mostraba dudas en la atribución de este cuadro.


"Es ésta una de las imágenes más dramáticas, más poéticas y misteriosas de todas las obras del período de madurez de Goya", comenzaba su artículo. Más adelante, se rendía ante las cualidades de esta pieza. "En cualquier caso, el lienzo es admirable por la extraordinaria seguridad de su toque, a golpes de espátula o de pincel, rápidos y nerviosos, de una precisión y energía singulares".

Hace unos días, sin embargo, Mena aseguraba en rueda de prensa que el uso de espátula era incompatible con el proceder del genio sordo y repasó todos los detalles a su juicio mal perfilados y sin definir de la imagen. "No se pueden utilizar las mismas características para apoyar la autoría -protesta Pita Andrade- que para rebatirlo".

Lee La mujer que le quitó 'El Coloso' a Francisco de Goya en ADN.es

Julio 01, 2008

¿De quién es El Coloso de Goya?

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Me dicen que estoy disfrutando de más con este asunto, pero ya me dirán. Primero que el Goya no es de Goya y que hay que ser paleto para pensar otra cosa. Después, que donde digo Coloso, en realidad podría decir más.

Y todo esto, por supuesto, es de lo más normal. Lo que ya no es tan normal es lo de los autentificadores de a 18.000 la hora, que luego Nigel Glendinning viene a mear el árbol de Manuela Mena y no le dejan hacerse fotos con el cuadro deshonrado donde el gigante cierra los ojos como quien no quiere saber nada.

A mí, dice el gigante, me dejan en paz. Ni que me hubiera comido a mis hijos.


MÁS: Ni el primero ni el último | Cuatro ex directores del Prado opinan sobre la polémica | La autoría de 'El Coloso' divide a los expertos

Mayo 25, 2008

Kay Nielsen

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Haciendo limpieza de enlaces, decidí seguir un consejo clásico de renovación de armario: deshazte de todo aquello que no te hayas puesto en el último año. Los enlaces a páginas muertas han desaparecido, también aquellas que no visito ni echo de menos.

Entre las nuevas adquisiciones está el archivo de animación, hoy featuring Las doce princesas bailarinas de Kay Nielsen (via), uno de los grandes ilustradores de primeros de siglo junto con Arthur Rackham y Edmund Dulac, de herencia pre-rafaelita y un aire a Aubrey Beardsley, pero en tecnicolor.

kaynielsen01.jpgLas doce Princesas bailarinas
Había una vez un rey que tenía doce hermosas hijas. Todas ellas dormían en una habitación con doce camas y, cuando se iban a la cama, las puertas se cerraban con llave. Sorprendentemente, cada mañana, sus zapatos aparecían tan desgastados como si hubieran bailado durante toda la noche. Nadie era capaz de descubrir qué era lo que pasaba ni dónde habían estado las princesas. Así que el rey hizo saber a todo el reino que la persona que descubriera el misterio y averiguara dónde bailaban sus hijas cada noche, podría desposar a la princesa que más le gustara y sería nombrado rey después de que él muriera. Pero aquél que lo intentara y no lo lograra después de tres días con sus tres noches, sería ejecutado.

Ponto llegó el hijo de un rey. Fue bien recibido y, por la noche, lo condujeron a la habitación contigua a la de las princesas, donde éstas ya yacían. Allí estaba el príncipe sentado esperando para ver dónde iban a bailar, y, se dejó la puerta de la habitación abierta para que no pudiera pasar nada sin que él lo oyera. Pero el hijo del rey pronto se durmió y, cuando despertó por la mañana, se encontró con que todas las princesas habían estado bailando, ya que las suelas de sus zapatos estaban llenas de agujeros.

Lo mismo sucedió durante la segunda y tercera noches, así que el rey ordenó que le cortaran la cabeza.

A él le siguieron muchos otros, todos ellos corrieron la misma suerte: perdieron sus vidas del mismo modo que su predecesor.

Pero sucedió que llegó al reino un antiguo soldado al que habían herido en una batalla y ya no podía luchar. Mientras atravesaba el bosque se encontró una anciana que le preguntó hacia dónde se dirigía.

“Apenas sé hacia dónde me dirijo ni qué he de hacer” dijo el soldado “pero creo que me gustaría intentar averiguar dónde bailan las princesas y así convertirme algún día en rey”.

“Bueno” dijo la anciana “ésa no es una tarea muy difícil. Sólo has de estar atento y no beber el vino que te ofrecerá una de las princesas por la noche y, tan pronto como ésta se marche, has de hacerte el dormido”.

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A continuación, la anciana le regaló una capa y dijo: “En cuanto te pongas esta capa serás invisible y entonces podrás seguir a las princesas allá a donde vayan”. Cuando el soldado escuchó todos estos buenos consejos, se decidió a probar suerte. Así que se presentó ante el rey y le dijo que deseaba asumir la tarea.

El soldado fue tan bien recibido como todos los anteriores y el rey ordenó que le dieran delicadas ropas reales. Cuando llegó la noche lo condujeron a la habitación exterior.

Justo antes de irse a dormir, la mayor de las princesas le llevó una copa de vino, pero el soldado tiró la bebida sin que ésta se diera cuenta y tuvo cuidado de no beber ni una sola gota. Entonces se recostó en su cama y, después de unos minutos, comenzó a roncar escandalosamente como si estuviera profundamente dormido.

Cuando las doce princesas oyeron sus ronquidos rieron enérgicamente. La mayor de ellas dijo: “¡Este tipo debería haber hecho algo más inteligente que venir a perder la vida de esta manera!” Entonces se levantaron, abrieron sus cajones, sacaron sus delicados vestidos, se vistieron frente al espejo y saltaron y brincaron como si estuvieran deseosas de bailar.

Pero la más joven dijo: “No sé por qué, pero aunque vosotras estéis tan contentas yo estoy preocupada; estoy segura de que vamos a tener algún contratiempo”.

“Inocentona…” dijo la mayor “siempre estás asustada; ¿has olvidado ya cuántos hijos de reyes nos han vigilado en vano? Y, por lo que respecta a este soldado, aunque no le hubiera dado el brebaje para dormir, estoy segura de que hubiera caído de todas formas”.

Cuando estuvieron arregladas, fueron a ver al soldado; pero éste seguía roncando y no movía ni un solo dedo, así que pensaron que estaban a salvo.

Entonces la mayor volvió a su cama y dio una palmada. La cama se hundió en el suelo y se abrió una trampilla. El soldado vio como una a una se metían por la trampilla, pegó un salto y, pensando que no tenía ni un minuto que perder, se puso la capa que le había dado la anciana y las siguió.

Sin embargo, a mitad de las escaleras pisó sin querer el vestido de la princesa más joven, y ésta les grito a las hermanas: “Algo va mal. Alguien me ha agarrado del vestido”.

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“¡Qué criatura más tonta!” dijo la mayor, “no es nada más que un clavo de la pared”.

Siguieron bajando y al final de las escaleras llegaron a una preciosa arboleda, donde las hojas de los árboles eran de plata y tenían un brillo y destello preciosos. El soldado quiso llevarse alguna prueba de aquel lugar, así que rompió una ramita y así se oyó un gran estruendo. Entonces la hija más joven dijo otra vez” Estoy segura de que no va todo bien… ¿es que no habéis oído ese ruido? Esto nunca antes había pasado”.

Pero la mayor dijo: “Ese ruido los han hecho nuestros príncipes, que están gritando de alegría por nuestra llegada”.

Llegaron a otra arboleda donde las hojas de los árboles eran de oro y después a una tercera donde eran de brillantes diamantes. El soldado arrancó una rama de cada una de las arboledas y cada una de las veces hizo mucho ruido, lo que hizo que la hermana pequeña temblara de miedo. Pero aún así, la mayor siguió diciendo que sólo eran los príncipes, que estaban gritando de alegría.

Siguieron su camino hasta que llegaron a un gran lago. En las orilla había doces pequeños botes capitaneados por doce hermosos príncipes que parecían estar esperando a las princesas.

Cada una de las princesas se subió a un bote y el soldado se subió al bote de la princesa más joven. Mientras navegaban por el lago, el príncipe que estaba en el bote con la princesa más joven y con el soldado dijo: “No se por qué, pero a pesar de que remo con todas mis fuerzas no consigo ir tan rápido como siempre y me agoto más que nunca: el bote parece hoy muy pesado”.

“Eso es por el bochorno” dijo a la princesa, “yo también tengo mucho calor”.

Al otro lado del lago se levantaba un magnífico castillo iluminado de donde fluía una alegre música de trompas y trompetas. Allí desembarcaron y cada príncipe bailó con su princesa; y el soldado, que aún era invisible, también bailó con ellos. Cuando alguna de las princesas tenía una copa de vino en la mano, el soldado se la bebía rápidamente, así que cuando se la iba a llevar a la boca ya estaba vacía. Esto también asustó muchísimo a la hermana pequeña, pero la mayor la silenció de nuevo.

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El baile continuó hasta las 3 de la mañana, y a esa hora todos sus zapatos estaban ya desgastados, así que se vieron obligadas a irse. Los príncipes las llevaron de vuelta (pero esta vez el soldado se puso en el bote de la princesa más mayor), y ya e tierra firme se despidieron los unos de los otros y las princesas prometieron volver a la noche siguiente.

Cuando llegaron a las escaleras, el soldado adelantó a las princesas y se acostó. Y cuando las doce cansadas princesas llegaron arriba le oyeron roncar en su cama y dijeron “Estamos a salvo”. Después se desvistieron, recogieron sus delicados vestidos, se quitaron los zapatos y se fueron a la cama.

A la mañana siguiente el soldado no dijo nada de lo que había pasado, resuelto a ver más de esta extraña aventura y volvió a seguirla la segunda y tercera noche.

Todo sucedió como la primera noche: las princesas bailaron hasta que sus zapatos se despedazaron y entonces volvieron a casa. La tercera noche el soldado se llevó una de las copas de oro como prueba de dónde había estado.

Cuando llegó el momento en que tenía que revelar el secreto, lo llevaron ante el rey junto con las tres ramas y la copa de oro y las doce princesas se quedaron detrás de la puerta para escuchar lo que dijera.

El rey le preguntó: “¿Dónde bailan mis doce hijas cada noche?”

El soldado respondió: “Con doce príncipes en un castillo subterráneo” Y entonces le contó al rey todo lo que había pasado y le enseñó las tres ramas y la copa de oro.

El rey hizo llamar a las princesas y les preguntó si lo que el soldado contaba era cierto y, viendo que no serviría para nada negarlo, confesaron todo.

Así que el rey le preguntó al soldado que princesa prefería para convertir en su esposa y el soldado contestó: “ya que no soy muy joven, elijo a la mayor” – ese mismo día se casaron y el soldado fue elegido como heredero al trono.

Febrero 16, 2008

The Birthday Party

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Me gustan estos niños maravillosamente sadianos, de la fotógrafo Vee Speers. Como la fiesta es la de un Gatsby preteen, rodeado de margaritas en un jardín de catástrofes a punto de suceder. Sigh.

Enero 29, 2008

Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda

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El madrileño Santiago Sierra, posiblemente el artista contemporáneo español más famoso del mundo, acaba de exponer una obra en una galería de Londres consistente en 21 monolitos compactos de caca seca.

Una obra de mierda, podría decirse. Pero, aunque todos sabemos que Sierra no es el primer artista que hace una obra de mierda, esa no es la cuestión. Lo importante es que la materia prima de la obra ha sido recolectada a mano por mujeres de Nueva Delhi y Jaipur "cuya casta les impide tener otro trabajo que sacar la mierda de los baños públicos". Por si no lo han notado aún, Santiago Sierra es el artista de la conciencia. Pero no la suya, sino la de ustedes.

El artista como turista de la catastrofe. Hace dos años, la instalación de Sierra en Pulheim (Alemania) fue suspendida porque un grupo de judíos furiosos amenazaron con prenderle fuego. El artista había convertido una sinagoga en una improvisada cámara de gas, en la que los visitantes debían entrar de uno en uno, protegidos por una máscara de gas. Se llamaba Una protesta contra la banalización del Holocausto.

Hace cuatro, Sierra recogió diez emigrantes iraquíes en Londres, los puso contra la pared y los roció con espuma de poliuretano. Después esperó a que endureciera y grabó todo el proceso en video. Si no llevaran trajes y visores de protección, el arte les habría matado.

Todo tiene solución en esta vida. Como Diane Arbus, a Sierra le gusta llevar a banqueros, directores de museos y alta sociedad en general a ver cosas que no han visto nunca, precisamente porque pagan a gente para que las elimine, las tape o las disfrace. En este caso, mierda.

Pero cuidado: mierda seca, sanitarizada, mezclada con fevicol (un aglutinante plástico), curada en moldes de madera aromática y convenientemente desodorizada para no ofender a la delicada audiencia. Vamos, la misma mierda de siempre, sólo que en forma de monolito, con una historia de terror en la etiqueta y la muy cristiana intención de despertar un incontestable sentimiento de culpa.

Richard Dorment, el crítico del Telegraph, lo ha llamado "el olor inconfundible de la culpa gratuíta". Pero Richard Dorment, con cuyo apellido me entran ganas de hacer chistes malos cada vez que le leo, es un exagerado: hay culpa, vive dios. Pero, si se hace insoportable, Sierra ofrece un analgésico que ha funcionado durante, al menos dos mil años: dar dinero a la causa. Es decir, la misma mierda de siempre, pero en una galería del West End Londinense, rodeada de restaurantes de lujo y hotele con servicio de masajes en la habitación.

Dicen que el arte contemporáneo es y seguirá siendo el único superviviente de la crisis. Lo mismo dicen de las cucarachas. En los dos casos, es posible -y lamentable- que tengan razón.

Noviembre 13, 2007

El viejo arte de la visualización de datos

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Ayer, después de ver a JL y a Ben Fry en el simposio de Medialab sobre visualización de datos, me llevé uno de los libros de la biblioteca del centro para escribir mi pequeña pieza sobre Visualizar.

Todos los libros de Edward Tufte son preciosos pero lo que más me impresionó de The Beautiful Evidence fue el mapa de Minard con la marcha napoleónica de 1812 desde que cruzan la frontera rusa hasta que vuelven a Polonia.

El mapa es de 1869 y, como decía finalmente en el artículo, tiene tres elementos que en realidad son dos: la línea que representa al ejército francés (marrón a la ida, negra a la vuelta) y la temperatura.

Octubre 05, 2007

Viaje alucinante al origen del modernismo

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En su polémico libro Transformations in Late 18th-Century Art (1967), el historiador Robert Rosenblum argumentaba que las raíces del Modernismo no estaban en los primeros años del siglo XX, sino que se remontaban al siglo XVIII francés, donde se ven los primeros intentos de renovar las formas de representación visual en la pintura occidental.

Los franceses se pusieron tan contentos que el gobierno le hizo Caballero de la Legión de Honor en 2003 pero, para entonces, Rosenblum estaba más viajado y ya había cambiado de opinión: el verdadero renovador del paisaje no era francés sino alemán y se llamaba Caspar David Friedrich.

La fundación March abre hoy una exposición inspirada en un ensayo clásico de Rosenblum, La pintura moderna y la tradición del romanticismo nórdico. Con la de Patinir en el Prado, promete ser la exposición del año.

Yo he hecho una pequeña galería, aunque confieso que algunos de los cuadros podrían no estar en la exposición, pero que me gustan mucho. Por ejemplo, el que ilustra este post, que hizo Friedrich en 1826.

Octubre 01, 2007

Operación: salvar el Reina Sofía

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El culebrón del Reina Sofía es mi tema favorito del mes. Hoy se abre el cargo de director artístico a concurso y ésto es lo que he escrito para la ocasión:

Antonio Molina tiene prisa: está decidido a cambiar el Reina Sofía antes de que las elecciones le cambien a él. Tras la dimisión de Ana Martínez de Aguilar y la renovación del patronato, el Ministerio quiere despolitizar y profesionalizar el museo. Para hacerlo, ha empezado por cargarse el puesto de director.

A partir de ahora, el Reina Sofía no tiene director; la programación cultural del Museo Nacional de Arte Contemporáneo la llevará un director artístico, un comisario de exposiciones del centro. La política quedará en manos del Organismo Autónomo Museo Nacional Centro Reina Sofía al Presidente (el Ministro de Cultura), del Real Patronato y de un gestor, que mantendrá el rango de Subdirección General.

De Director General a Comisario de exposiciones. El Director artístico será responsable de la dirección artística del Museo; la dirección, coordinación y planificación de la actividad de los departamentos y servicios a su cargo. De puertas afuera, será la cara y la voz del Museo; de puertas adentro, presentará sus propuestas al Real Patronato y dependerá de su aprobación en todo, tanto en el manejo de la colección (compra, intercambio, reagrupación y exposiciónde las obras), como en todas las dependencias que deriven de su cargo,desde el programa de exposiciones y proyectos hasta la delegación de comisarios externos para muestras puntuales.

Comparado con las condiciones del pasado cargo, se diría que el director artístico no manda mucho en el museo pero lo cierto es que los cambios se ajustan más a las condiciones de los museos internacionales, donde hay un cuerpo administrativo y gerente que hace pasillos y un intelectual que compone los programas. "Los museos-decía hace unos días Manuel Borja-Villel en una entrevista- deben dirigirlos intelectuales, no gestores". Y tiene razón.

Sigue leyendo Operación: salvar el Reina Sofía en ADN.es

MÁS: Tres años de mediocridad

Julio 20, 2007

las vanguardias

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Una exposición del MoMa
recuerda la arquitectura modernista soviética desde la revolución del 17 hasta la llegada de Stalin. El NYTimes le dedica un artículo, The silent Radicals, que está lleno de la nostalgia esa de lo no vivido que te entra cuando paseas por la avenida de Karl-Marx y el sol hace doradas las baldosas y se ven los árboles de detrás, balanceándose al viento.

La exposición es de arquitectura rusa pero hoy todo me trae a Berlín. Deberían irse todos a allí de vacaciones. Nunca ha estado tan bonito.

+ la expo
+ la galería

Julio 19, 2007

The crying of Lot 403

titiano2.jpgEl catálogo decía "escuela continental del siglo XVIII, retrato de un esteta" y el precio estimado era de 450-700 euros. Era un retrato a medio cuerpo, oscuro, representando a un hombre de mediana edad con una expresión de melancólica angustia. Su dueña lo había comprado hace 33 años en unos saldos de la misma comarca, Leicestershire. Según Mark Gilding, responsable de la casa de subastas, la llegada del cuadro cambió por completo la atmósfera del salón.

"El ambiente se puso tenso" -relata el hombre. -"La subasta parecía inacabable". Dos compradores se enredaron en una lucha que duró varias horas. Al final, la puja se cerró con 205.000 libras esterlinas, algo más de 300.000 euros.

Al principio estaban muy contentos; Gilding es una casa de subastas pequeña, con 45 ventas al año de unos 300 euros cada una. La dueña, ignorando su valor, había tenido el cuadro guardado en un sótano durante 33 años y de pronto lo vendía por un precio cuatrocientas veces superior al de salida. Unas horas más tarde, cuando la noticia llegó a Londres, el encantamiento se rompió: el cuadro era un Tiziano de principios del siglo XVI y su valor aproximado supera los siete millones de euros.

Sigue leyendo Un Tiziano a precio de saldo, mi último artículo para ADN.es

Julio 12, 2007

She loves the moon

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She Loves the Moon es un elige tu propia aventura hecha con stencils en las calles del Mission district de San Francisco. También es una historia de amoir. O de desamor. Depende.

Via: Brooklyn's Next Viral Marketing Campaign.

Junio 30, 2007

If we did it

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Mientras el mundo discute sobre si Banksy está corrompido y si el grafitti de auteur vale para algo, el splasher sigue acaparando la atención de las mejores cabeceras de la gran manzana. Aunque muchos grafitteros y defensores del medio se quejan amargamente en diarios, blogs y entrevistas, sólo uno se ha dado cuenta de un detalle importante. Esto es un poco como youtube y la payada de la vaca: sólo se puede contestar pintando.

Qué maravilloso sería que Banksy y su archinémesis fueran la(s) misma(s) persona(s), como unos archiduques del Caos contra el mercado del arte contemporáneo.

Con ustedes, el Manifesto.

Mayo 18, 2007

una noche en el museo

El día 18 de Mayo, desde 1977, es el Día Internacional del Museo.

Los museos dependientes de la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura celebran El Día Internacional de los Museos y La Noche de los Museos a través de una amplia programación de actividades con las que invitan a los ciudadanos a redescubrir sus colecciones.

Durante el día 18 de mayo la entrada a los 14 museos estatales será gratuita, al igual que todas las actividades de la noche del 19 de mayo, que tendrán acceso libre hasta completar aforo. La apertura nocturna de las instalaciones ofrecerá una programación de conciertos, danza, talleres, cine, conferencias, visitas guiadas, dramatizaciones teatrales o proyecciones audiovisuales.

Jornada internacional en 145 países. El Día Internacional de los Museos se celebra el 18 de mayo en todo el mundo desde el año 1977, tras una resolución aprobada en la XII Asamblea General del ICOM (Consejo Internacional de Museos), una organización no gubernamental dependiente de la UNESCO y con estatus de órgano consultivo del Consejo Económico y Social de Naciones Unidas.

Para este año 2007, el lema elegido por el ICOM para el Día Internacional de los Museos es “Museos y patrimonio universal”, con el que se pretende fomentar, mediante la organización de múltiples y diversas actividades en más de 145 países de todo el mundo, el acceso a las colecciones de los museos para mostrar la estrecha relación entre diversidad cultural y patrimonio universal.

Por favor, disfruten de La Noche de los Museos. Yo probablemente aterrice en el Arqueológico. LA programación, después del salto.

LA NOCHE DE LOS MUSEOS en el Museo Arqueológico Nacional Sábado, 19 de mayo 2007

Entrada gratuita
HORARIO EXTRAORDINARIO: 19,00 a 24,00 h.
PROGRAMACIÓN ESPECIAL

El Museo se une a esta iniciativa internacional festejando su ya larga historia. En relación con el tema El Museo ayer y hoy se proyectará permanentemente un multimedia en el vestíbulo y, en directo desde el jardín, nos envolverá la música de los locos años veinte, en los que el Museo desarrolló su primera etapa. Además, se ofrecerá un programa extraordinario de actividades desde las 19,00 hasta las 24,00 horas. Todo ello contribuirá a dar un aire festivo a la visita.

INAUGURACIÓN
19,00 – 19, 20 Inauguración y bienvenida. Vestíbulo

VISITAS GUIADAS
19,30 El Museo ayer y hoy. Francisco Juez. Atacama. Servicios culturales. Punto de encuentro: vestíbulo
19,30 El camino hacia el mas allá en el Antiguo Egipto. Esther Pons. Sala 13
20,00 Mitos, héroes y hombres. Un paseo por la escultura ibérica. Eduardo Galán. Sala 19
21,00 Los metales en la Edad del Bronce Salvador Rovira. Sala 5 y 6
22,00 El Museo ayer y hoy. Francisco Juez. Atacama. Servicios culturales. Punto de encuentro: vestíbulo
22,00 Mitos, héroes y hombres. Un paseo por la escultura ibérica. Eduardo Galán. Sala 19
22,30 El camino hacia el mas allá en el Antiguo Egipto. Esther Pons. Sala 13

LA HISTORIA CONTADA POR SUS PROTAGONISTAS. Areva, una mujer de Numancia
Monólogo teatralizado
El conmovedor relato de esta mujer numantina ayuda a reconstruir mentalmente los acontecimientos históricos: una nueva y atractiva forma de dar a conocer nuestra Historia.

Horario de sesiones: 19,30; 20,30; 21,30 y 22,30 h.
Lugar: Sala 9. Aforo limitado

EL MUSEO ANIMADO
Los visitantes se encontrarán durante toda la noche con personajes literarios, autores o trovadores de otras épocas, transmisores del mundo del que proceden.

Lugar: Todas las salas del Museo

CONCIERTO CONTINUO. Los locos años veinte
Por el grupo musical El hada verde. Gloria Ramos (contrabajo), Diego Araoz (guitarra) y Lucas Fuentes (percusión)

Lugar: Jardín

BAR EN EL JARDÍN

Mayo 10, 2007

shoot me

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Domestic tension: el artista iraquí Wafaa Bilal vive desde primeros de mayo en la galería FlatFile de Chicago. Cualquier usuario de la Red puede observar su vida durante las 24 horas del día a través de una cámara web. Y, si le apetece, dispararle con una pistola de paintball.

Bilal’s self imposed confinement is designed to raise awareness about the life of the Iraqi people and the home confinement they face due to the both the violent and the virtual war they face on a daily basis. This sensational approach to the war is meant to engage people who may not be willing to engage in political dialogue through conventional means. Domestic Tension will depict the suffering of war not through human displays of dramatic emotion, but through engaging people in the sort of playful interactive-video game with which they are familiar.

Algunos de los videos están ya en el tubo. (via)

Abril 22, 2007

nos pagan por limpiar, no por hacer crítica de arte

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Desde que Banksy es un artista de Moma y no un adolescente desempleado y antisistema armado con un spray, los que peor lo pasan son los funcionarios del ayuntamiento y sus servicios de limpieza. Por culpa de Banksy, esta gente vive sin vivir en sí.

Hace unos días, sin ir más lejos, el escuadrón de limpieza de la estación de Old Street en Londres limpió un conocido mural en el que el artista había reinterpretado una escena de Pulp Fiction, sustituyendo las pistolas de Travolta y Samuel L. Jackson por sendos plánatos sin pintitas (posiblemente cubanos, decididamente no de canarias). Para ellos fue un brochetazo más en su larga carrera de jardineros del espacio público-pero-hasta-cierto-punto. Quizá un poco más jodido porque estaba pintado en colores fuertes y el marco negro que ven en la foto tiene que ser malo de lavar. Para el vecindario, sin embargo, ese mural era lo más cerca que habían estado de comprarle un cuadro a la Tate Modern. Y no se lo han tomado nada bien. George Thomas, barbero local, le contó al Independent que la imágen le había dado un empujón a la zona y que la gente venía de todas partes para fotografiarla. Y ha añadió: nadie podría confundirla con un graffiti. El que la ha destruído es un imbécil.

¿Se dan cuenta? Nadie podría confundirla con un grafitti. Salvo, quizá, el propio Banksy o cualquiera que sepa lo que es un grafitti. Según la wikipedia, el término

está tomado del latín graphiti: en italiano, "graffiti" es el plural de graffito, que significa "marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro" y así se llaman las inscripciones que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano. Raffaele Garrucci divulgó el término en medios académicos internacionales a mediados del siglo XIX. El cultismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años setenta.

Según el mundo desde entonces, el grafitti es una obra de arte/acto de vandalismo criminal perpetrado por una o varias personas/delincuentes en un espacio público a golpe de raspa, pintura o spray. Si en Independent le hubiera preguntado al barbero qué diferenciaba el mural de Banksy del grafitti, probablemente hubiera dicho: que es "arte". Queriendo decir que es bonito (agradable de ver), que hacía bonito en el barrio y que lo ha hecho un artista famoso (que son los que salen en la sección de cultura y no en la de sucesos). El servicio de limpieza del metro de londres está más o menos de acuerdo con él, pero tiene problemas mayores. Nos damos cuenta -dijo decía el portavoz de la TfL- que hay gente que ve las obras de Banksy como obras de arte legítimo. Lamentablemente, nuestro equipo de limpieza de graffiti está lleno de limpiadores profesionales, no de críticos de arte.

Me pregunto qué piensan los otros artistas callejeros de que lo de Banksy sea arte y el restro delincuencia o si el ayuntamiento pondrá un boletín semanal para que sus escuadrones sepan a cómo cotizan los grafiteros locales antes de levantar la brocha. Un menda que se dice cercano al artista ha dicho: you wouldn't paint over a Van Gogh and nor should you paint over a Banksy. Me pregunto si el propio Banksy estaría de acuerdo con él.

MAS en LPC: un graffiti en un museo es un fraude.

Abril 16, 2007

cosas que ver estos días en madrid

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El retrato: el espejo y la máscara (en el siglo de Picaso) en el Thyssen (paseo del prado) y la fundación Cajamadrid (plaza de las descalzas) hasta el 5 de julio. En cajamadrid es gratis.

Roy Lichtenstein: de principio a fin en la fundación Juan March hasta el 27 de mayo. entrada gratuita

Nam June Paik y Corea: De lo fantástico a lo hiperreal en la Fundación Telefónica hasta el 20 de mayo.

Segunda oportunidad para Escher: El Arte de lo Imposible ha sido prorrogada hasta el 15 de Abril.

No se pierdan... La noche de los libros. El 23 de abril por todo madrid capital. Y por segundo año consecutivo, me la voy a perder.

Y ustedes, ¿han visto algo que merezca la pena?

Marzo 12, 2007

el diablo en los detalles

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Gales and Gasps es una colección de patrones barrocos deToile de Jouy con un toque kinky. Pero, como en toda la producción de Kent Henricksen, ¡hay que fijarse!

Estos días, Gales and Gasps se puede ver en la Atle Gehrardsen deBerlin. Reg le dedicó un post y le sacó fotos para que podamos apreciar el exquisito trabajo de aguja.

Marzo 05, 2007

Tim Hawkinson: Octopus

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Mañana se inaugura una exposición de Tim Hawkinson en el Getty de Los Angeles con cuatro obras que ha comisionado el centro: un murciélago, una columna, un dragón y la muy adorable criatura que ilustra este post. Junto con los nuevos, el museo acoge “Überorgan,”, una caverna tentacular, monstruosa y musical del tamaño de un autobus escolar. Como estar dentro de la ballena, pero en pulpo.

Un especial de la PBS sobre Hawkinson.

Marzo 02, 2007

Destroy the museums, in the streets and everywhere

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Un protestante anónimo que los medios han bautizado como "The Splasher" está cubriendo los graffiti de Nueva York con cubos de pintura y un manifesto condenando a los artistas callejeros de haberse aburguesado. Una parte del manifesto dice Destroy the museums, in the streets and everywhere.

Me ha recordado a una anécdota divertida que contó Mogens Jacobsen cuando presentó su Crime Scene en el segundo Copyfight.

Crime Scene es un circuito cerrado en el que dos ordenadores, sin teclado ni ratón, intercambian archivos de música. El intercambio sucede de manera que, cuando uno de los ordenadores tiene el arcivo completo, el otro ordenador lo solicita de vuelta y así hay una serie de canciones en circulación, siempre las mismas, que van de un disco duro a otro sin intervención humana de ningún tipo. La pieza se llama Crime Scene porque los ordenadores están cometiendo una infracción, aunque ninguna de esas canciones llegue a escucharse nunca. Con ella Jacobsen quería mostrar los aspectos más absurdos de las leyes de Propiedad Intelectual.

Las instituciones danesas encontraron la obra interesante pero no la podían mostrar, precisamente porque vulneraba los derechos de los artistas cuyas canciones se estaban intercambiando. Para solucionar el problema, el ministerio de cultura propuso la siguiente solución: ¿por qué no comprar los derechos de las canciones para ambos ordenadores? Jacobsen, evidentemente, les tuvo que decir que no. Sin crimen, su obra no tenía sentido. Irónicamente, estarían vulnerando sus derechos de Propiedad Intelectual al alterar, aunque sólo fuera conceptualmente, su instalación. Le habrían convertido en un fraude.

Me acordé porque son casos gemelos: después de tres décadas discutiendo si el arte callejero es arte o no es arte, al integrarlo finalmente en el canon académico junto con el resto del arte contemporáneo, han alterando lo más esencial de su naturaleza, su capacidad de existir fuera del sistema y contra el sistema. Que Marc Schiller, de Wooster Collective diga que está desconsolado por la facilidad con que se puede destruir una obra de arte de manera anónima no hace más que confirmar las acusaciones. El grafitti no es eterno, pertenece al entorno y cambia con él, igual que la relevancia de su mensaje o la belleza de su representación. Un graffiti en un museo es un fraude.

En mi última visita a Barcelona, un atractivo comisario de exposiciones me dijo al oído: todos los museos deberían arder hasta los cimientos. Parece que ya sois dos.

Febrero 02, 2007

the perfect narcissist

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El NYMag conmemora 20 años de la muerte de Andy Warhol. El NYTimes, a Anna Wintour.

Los críticos han destrozado Factory Girl:

Slate: ... is a bit like Sedgwick herself—whatever substantial qualities it might once have possessed have been wasted, picked over by rumor and gossip, and sullied by the pawing of many hands. | LA Times: A brisk, superficial treatment of the tragic supernova life of Edie Sedgwick, "Factory Girl" disappoints as both biography and drama. | Salon: ... a strange little affair, and not a wholly successful one | NT Times: ... should suggest a magazine layout masquerading as a film | NYMag: A powerful antibacterial agent took care of the theater’s smell, but not the film’s (...)

Independientemente de lo mala que sea la película, el trailer me ha dejado cuadrada. Sienna Miller se parece tanto a Eddie que, más que caracterización, parece una posesión demoníaca.

Enero 19, 2007

vera hartmann: SFU Porn

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Me asombra lo mucho que se parecen algunas fotos de vera hartmann a algunas partes del biopic de Savannah que hizo David LaChapelle con Ana Claudia Michels. No sé si dice algo de las productoras retratadas (Wicked Pictures y Sin City Pictures, California) o del talento de la propia Vera para encontrar los momentos de luz. (via)

Enero 18, 2007

El Arte de lo Imposible: Escher en Madrid

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No en persona, claro. Me acabo de enterar por Alvy que el Centro Arte Canal tiene una exposición dedicada a M.C. Escher. Se llama El Arte de lo Imposible y dura hasta el cuatro de marzo.

Toda la sala está a oscuras y las obras cuelgan de paredes tenuemente iluminadas, rodeadas de algunas explicaciones e inspiradoras frases del autor. Grandes pósters muestran sus dibujos imposibles, como Belvedere o Cascada, de las que también pueden verse los originales. Un gigantesco pasillo con el suelo decorado con Metaforfosis II, de la que también se expone el original (de cuatro metros de largo), lleva a los visitantes de una zona a otra. Realmente espectacular.

Además de esto hay dos espacios realmente singulares: La Mezquita Isótropa, que es una zona de descanso laberíntica en blanco y negro y La Caja Mágica, un montaje escultural con algunos de los motivos recurrentes de Escher: escaleras, lagartos y la gravedad en todas direcciones. Además de eso hay varios vídeos, uno de ellos el interesantísimo efecto Droste. A pesar de haber leído muchos de los libros sobre Escher, encontré muchos trabajos del autor que no había visto con anterioridad, sobre todo de su primera época y de los paisajes italianos. Pude confirmar que las otras Metamorfosis I y III, sobras las que escribí hace unos días, no estaban expuestas.

En Microsiervos podeis leer el resto del paseo (que es casi como estar allí) y con un montón de enlaces interesantes.

Enero 15, 2007

packet garden

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Packet Garden es un sistema de visualización de tráfico en la Red que muestra las páginas visitadas, los paquetes descargados, la información enviada y recibida durante nuestro tiempo de conexión en un pequeño mundo de valles, colinas y plantas exóticas por el que podemos pasear. Cada sesión es distinta y genera un mundo distinto que refleja fielmente nuestra actividad en la Red. Cuando más promiscuos seamos, más frondoso será nuestro mundo. Cuanto más tiempo mantengamos la aplicación funcionando, más plantas cultivaremos.

Packet Garden es un proyecto de Julian Oliver para el Arnolfini de Bristol. Está disponible para Linux, Windows y OSX y es 100% software libre. La primera beta se puede descargar de su página, donde también se pueden ver las diferentes especies generadas por diferentes protocolos y localizaciones, así como los espacios negativos de la red, que son las IPs secretas de algunas organizaciones.

Antes de descargar, leed atentamente las instrucciones y requisitos del sistema. Packet Garden es 3D, no apto para todas las tarjetas gráficas.

Actualización. En su segundo día, PG ha sido diggeado, con todas las consecuencias que ya conocemos. Si la página no carga como debiera, tengan paciencia, prueben de nuevo más tarde. Hay un par de mirrors aquí.

Enero 08, 2007

F. Holland Day: la pasión de otro

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En el verano de 1898, el fotógrafo americano Fred Holland Day subió con unos amigos a una colina de Boston para representar la vida, muerte y resurrección de Cristo. La aventura produjo una fuerte controversia (relean la fecha) y unas 250 obras, la más famosa de las cuales -The Seven Last Words of Christ- es la pieza central de la última exposición del Whitney.

Photography and the Self: The Legacy of F. Holland Day muestra una colección de obras donde el artista ha sido, al mismo tiempo, artista, modelo y "el otro". Hay obras de Charles Ray, Francesca Woodman, Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, Lyle Ashton Harris y otros. El NYTimes le dedica el artículo Self-Portraits That Obscure the Self, aunque la verdadera estrella de la temporada es Doug Aitken y su instalación-motocine en el Moma: MoMA’s Off-the-Wall Cinema + MoMA Does a Drive-In.

Enero 07, 2007

Soane's Magician: the Tragic genius of Joseph Michael Gandy

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Once upon a time, there was a wizard who knew what Heaven and Hell looked like. In fact, he designed them. He also drew the greatest royal palaces that Britain has ever dreamed of, and a massive new Parliament building. He assembled complete, monumental cities and prototype skyscrapers. The name of this magician was Joseph Michael Gandy, and he did all this in the first few decades of the 19th century. Gandy was doomed to disappointment - he built very little in the real world, and was destined to be comprehensively eclipsed by another architect. He died a mad, penniless, abandoned old man. But he was no failure, because his extraordinary visions survive.

· Soane's Magician: The Tragic Genius of Joseph Michael Gandy fué una exposición del Soane de Londres, paralela a la publicación del libro Joseph Gandy: An Architectural Visionary in Georgian England, de Brian Lukacher. Además, es mi regalo de reyes para Jose.

The Guardian: Feel that draught + Let there be light

The Sunday Times: Illusions of grandeur, por Hugh Pearman.

Diciembre 21, 2006

How to Make a Fake

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Algo tarde pero a tiempo, me he estampado contra éste maravilloso artículo en el NYMag. Les traduzco un poquito:

"El vaso de Lilas" no es una de las obras más importantes de Paul Gauguin. Es una obra de "gama media", lo que significa que cambia de manos con frecuencia por tan sólo unos cientos de miles de dólares sin levantar mucho polvo. Pero, en mayo de 2000, esta pintura demostró que todavía era capaz de volver algunas cabezas. Cuando Christie’s y Sotheby’s lanzaron sus catálogos para las subastas de arte moderno, descubrieron con asombro que las dos ofrecían la misma pintura -y las dos pensaban que la suya era la original.

Una de las pinturas era claramente falsa. Las casas de subasta mandaron las dos pinturas a Sylvie Crussard, una experta en Gauguin del instituto Wildenstein en Paris. Las puso una junto a la otra y en pocos minutos identificó la de Christie’s como la que, como se dice en el delicado argot del mercado del arte, "no estaba del todo bien". Aun así, era la mejor falsificación de Gauguin que había visto nunca. "Era un caso único de semejanza" -se maravillaba Crussard. -"Nunca se ven dos trabajos que se parezcan tanto".

Christie’s transmitió la noticia a los espantados dueños en la Gallery Muse de Tokyo, que no tenían la menor idea de que fuera falsa. La pintura original volvió a Sotheby’s, donde su dueño -el dealer newyorquino Ely Sakhai- la subastó con éxito por 310,000 dólares. Pero cuando el FBI siguió la pista del falso Gauguin, descubrieron algo todavía más sorprendente: la fuente original no era otra que el propio Ely Sakhai.

Como sabrán los que asistieron a las proyecciones de F for Fake, el fantástico documental de Orson Welles, durante el primer episodio de Copyfight, la falsificación de arte es una tradición antiquísima que se remonta a los principios mismos del arte occidental. Los romanos sentían tal pasión por la escultura griega que los talleres de trabajo estaban llenos de réplicas indistinguibles del original. Thomas Hoving, antiguo director del Metropolitan Museum of Art, comentó que hoy día es prácticamente imposible distinguir el original griego de la copia romana. Después los europeos copiaron a los romanos y, en la edad media, las copias de despojos de cristo y pañitos de la vírgen se multiplicaron tan milagrosamente como los trozos del muro de Berlín: cada iglesia quería tener su cosita sagrada para fomentar el turismo de peregrinación y hacer una colecta digna. El más famoso de esta guisa es el Sudario de Turín, un pañito de lino rectangular de 436 cm de largo y 110cm de ancho tejido a espina de pescado cuya única particularidad es haber envuelto el cuerpo de cristo. En el siglo XIV.

El arte en la era de la reproducción mecánica. No se les puede culpar. ¿Quién de los que me están leyendo son capaces de distinguir un original de una copia? Nos tenemos que fiar, ¿no? ¡Vaya chollo! La mayor parte del tiempo, la diferencia entre el original y la falsificación ha sido la palabra de una parte interesada, bien fuera la iglesia, un coleccionista en desgracia o un dealer newyorquino con vicios caros. ¿En qué deja eso al original? Ayer un amigo decía que, en relación con el arte, la gente se imagina millares de giocondas y las siente inmediatamente devaluadas. Sin embargo, una de las características de "lo digital" es la copia perfecta, por lo que -a diferencia del falso Gauguin- el original es indistinguible de su copia. ¿Es por tanto menos valioso? Y si no lo es, pero sus copias son copias perfectas, ¿son todas y cada una de ellas igual de valiosas que el original?

Hagamos un pequeño experimento. Cojamos cincuenta amantes del arte en una habitación con diez cuadros. Si les dijéramos que todos los cuadros son copias, les echarían un vistazo y se marcharían rápidamente. Pero si les dijéramos que todos son copias menos una, se lanzarían entusiasmados a las búsqueda del original, como si un aura mágica se desprendiera del lienzo igual que la divinidad de los santos. Y, cuando por fin reveláramos el tesoro escondido (aunque fuera una de las copias escogida al azar), todos dirían "aaaaah" y empezarían a hablar entre ellos de cómo se dieron cuenta de que aquel cuadro era "diferente" aunque no estaban del todo seguros por este detalle de aquí. Porque, por supuesto, el original es diferente. Aunque las dos casas de subastas de arte más importantes del mundo tengan que pagar a una franchute para que les diga cuál es.

La importancia del original -especialmente en el mundo del arte digital -no es el valor histórico de mirar una pieza que haya sido tocada por la gracia de un genio que murió en la miseria, ni el valor moral de poseer la pieza legítima, garantizada, la que -volviendo al delicado argot del mercado- está bien. El verdadero valor del original es que existe. Es una regla de tres simple: para que haya una copia tiene que haber un original. Una vez existe, la copia no un crímen que deriva de él sino su eco, la onda expansiva de su grandeza. Y Warhol no inventó la réplica, sólo la mecanizó.

Pero, volviendo a los dos Gauguins, y en caso de que no hayan leído el artículo que ha motivado este post, les recomiendo al menos que sigan la receta del New York Magazine para ser un falsificador de éxito: compra un Gauguin mediano. Duplícalo. Cuela los documentos originales en la copia. Vende las dos pinturas a dos coleccionistas crédulos mientras el mundo del arte mira para otro lado.

Noviembre 06, 2006

Fred Eerdekens: wire graffiti

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Fred Eerdekens utiliza alambbres de cobre para escribir con sombras en la pared. Curiosamente, si miras sólo los alambres parece que esté escribiendo en árabe (es una impresión). Mucho más bonitas, sus impresiones con árboles. (via)

MAS: Fred Eerdekens en Flickr.

Septiembre 28, 2006

vicios modernos

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"Puede que estos nombres no te digan nada, pero están mucho más cerca de ti de lo que piensas. Dos productos de una generación frustrada, medio-romántica, medio-mecanizada, que es muy posible que sea la última". En la conversación ambos se confiesan perturbados porque antes todo el mundo era de extrema izquierda y ahora los Sex Pistols son unos anarquistas de extrema derecha que se traspasan la carne con insignias nazis. Luego mantienen una amable disertación sobre los beneficios de la heroína. Efectivamente, como pronosticaba el Star eran genuinos representantes de una generación que iba a ser la última.

Borja Casani habla sobre Alberto García-Alix y su Vicios Modernos en un especial en del Babelia pasado.

Septiembre 26, 2006

John Klima en WMMNA

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Recomiendo apasionadamente la entrevista de Regine a John Klima, posiblemente uno de mis artistas favoritos de los últimos años. Algunos habrán leído su artículo sobre Go Fish el último número de la revista a minima; otros habrán visto su macro-instalación Train en META.morfosis, un proyecto especial del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Moderno con otros 25 figuras del arte digital. La entrevista es larga pero maravillosa y está llena de joyas.

There is no such thing as intuition, only habit. A scroll bar is intuitive only if one has seen a scroll bar before. If one has never seen a scroll bar, good luck. If a user is indeed familiar with a scroll bar and if this scroll bar suddenly looks or behaves differently than every other scroll bar, you're really in trouble. Yes there are visual cues that may help with understanding how an interface device functions, but no device is intuitive if one is coming from a place of inexperience. Each individual is different, and behaves differently with an interaction. You can never address the needs of all users in an interface, and as an artist, I choose to address none.

Septiembre 25, 2006

Pettibon: Los derechos intelectuales se están convirtiendo en un obstáculo para la creación

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Sus primeros dibujos conocidos fueron portadas de una banda punk, Black Flag, de la que formaba parte su hermano. Actualmente no hay colección de arte contemporáneo que se precie que no cuente con alguna obra suya. Sus dibujos cercanos a la estética del cómic llevan casi siempre textos retorcidos, punzantes o de una extraña mística que se queda rondando la cabeza.

(...) "Mis primeras referencias eran las historietas de humor político en los periódicos, las que salen en las páginas editoriales. Ése es mi principal punto de partida. Yo tomo prestado de todo y de todos lados, personajes de la televisión, de los dibujos animados", explica.

Sus trabajos usan con frecuencia citas literarias de escritores como Henry James, John Ruskin, Marcel Proust, William Blake o Beckett. Citas textuales, préstamos. En el tira y afloja de la piratería y los derechos de autor, hoy en día una técnica como el collage no podría haberse inventado. "El copyright se ha convertido en un asunto de política económica, incluso desde entidades como Disney, que nunca hizo nada original en su historia. Los derechos intelectuales se están convirtiendo en un obstáculo para la creación y están extendiendo esas trabas hacia el futuro".

El articulo entero sobre Raymond Pettibon, en Babelia.

Septiembre 08, 2006

Marry, and you will regret it

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Do not marry, and you will also regret it.

Septiembre 06, 2006

Ars Electronica 2006

Si no estan en Ars Electrónica y, a pesar de todo, hubieran querido ir, sigan el rastro de miguitas de JL en Elástico, en directo desde Linz . No se puede pedir más por menos. No se pierdan la silla.

Septiembre 04, 2006

Bansky featuring Hilton: Race To The Bottom of the Pile

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Luego nos quejamos de que los CDs están a cojón de pato. Si son listos -y viven en el U.Kingdom- correrán a las tiendas a hacerse con el disco de Paris Hilton. Con un poco de suerte no se encuentran el original sino el cambiazo: Banski ha sustituído 500 copias del muy esperado debut de la heredera por una declaración de intenciones que empieza con "¿Por qué soy famosa?" y acaba con un consejo de experta: 90% of Success is just Showing up.

Arte contemporáneo a precio de CD. A lo mejor, en este precioso momento, alguien ha visto la luz en una discográfica.

Gracias a la pulga y a un rápido desconocido, las pueden ver todas aquí.

Segunda ronda. Primera oferta, 250 pounds, Birmingham, West Midlands. (gracias Pablo)

EXTRA: In search of Basky

DISCLAIMER: sí, es un chiste. Mis disculpas a los afectados y a los heridos de muerte.

Septiembre 01, 2006

desorden creativo

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Admiren, envidien, ¡copien! los estudios de trabajo de sus ilustradores favoritos gracias a On My Desk, el nuevo blog de las estrellas.

De mi propia cosecha: fotos del estudio de Cheryl Oliver, ceramista.

Agosto 29, 2006

Agosto 03, 2006

The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello

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Set in a world of iron dirigibles and steam powered computers, this gothic horror mystery tells the story of Jasper Morello, a disgraced aerial navigator who flees his Plague-ridden home on a desperate voyage to redeem himself. The chance discovery of an abandoned dirigible leads Jasper through unchartered waters to an island on which lives a terrifying creature that may be the cure for the Plague. The journey back to civilization is filled with horrors but in a shocking climax, Jasper discovers that the greatest horror of all lies within man himself.

The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello (via Marcus)

Julio 23, 2006

Arno Breker, Borges y lo que vale un lector

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Es un arte silenciado, si es que se puede considerar arte, el del alemán Arno Breker (1900-1991), el escultor favorito de Adolf Hitler. Los cuerpos perfectos y fuertes formados por Breker decoran el Estadio Olímpico de Berlín, y hubieran marcado la estética de la ciudad soñada por Hitler: Germania (Berlín). Nadie hasta ahora se había atrevido a exhibir en Alemania las estilizadas figuras de Breker, el escultor admirado por una serie de artistas europeos en el momento de su mayor actividad creativa, los años 1933 a1945, pero muchos alemanes famosos le encargaron un retrato suyo, neoclasicista, inspirado en la escultura griega y en la de Auguste Rodin, tras la desaparición del nazismo alemán y la destrucción de un 90% de la obra de Breker por los aliados. Éste fue el caso, entre otros, del canciller alemán democristiano Konrad Adenauer o de la atleta Ulrike Meyfarth, que llegó a posar para la escultura Ulrike la diosa griega en los años ochenta. Breker seguía creando, pero nadie había vuelto a hablar de él hasta ahora, más de 60 años después del fin de la Segunda Guerra Mundial y del Holocausto.

(sigue leyendo el artículo de en El Pais)

Fué precisamente pensando en la exposición de Arno Breker en la Schleswig-Holstein-Haus que me puse a buscar el ensayo de Borges sobre los precursores de Kafka. Borges dice que cada escritor crea sus precursores, dando a entender que la obra de Kafka -así como todas las obras literarias de peso- modifican sensiblemente aquellas otras que la preceden porque, a través de las segundas, entendemos mejor las primeras y a veces el efecto es tan grande que parece como si las leyéramos por primera vez. Y es una influencia sana y enriquecedora. Qué diferente de la influencia que tienen la historia, los cambios sociales y la audiencia. Sobre todo si la audiencia es el mismo demonio.

A Breker se le ha demonizado por su afiliación con los nazis de quien recibió grandes sumas de dinero y un castillo bávaro. Sesenta años más tarde, su primera exposición en casa le ha cortado la crema a la inteligencia alemana, la misma que ha decidido desmantelar el Palacio de la República para levantar un hotel de cinco estrellas con dinero público. Der Spiegel ya ha dicho eso de cómo un museo público se atreve a exponer "lo inimaginable". El presidente de la Academia de Bellas Artes de Berlín acusa al museo de ramplón y sensacionalista y recuerda que el escultor fué uno de los principales orfebres de la propaganda nazi, quien le dio una visibilidad a la imagen del hombre de los nazis, a aquel racismo de la raza superior. El caso Breker demuestra, entre otras cosas, que el sentimiento de culpa no ha abandonado Alemania y que sus políticos de la cultura gustan de utilizar esa culpa para reafirmar su poder caduco, novayaser.

Hasta ese punto es vergonzosa su taimada actitud que su premio Nobel de Literatura ha tenido que recordar que el escultor tuvo vida y obra antes de los Juegos Olímpicos y la siguió teniendo tras la caída del Tercer Reich, cuando el 90% de su producción fue destruída por los aliados. Igual que Leni Riefenstahl, con quien la historia ha sido más benevolente, bien por sexista hijadeputa, bien porque ya fué castigada a fondo por los aliados americanos y especialmente los franceses, que la encerraron en un manicomio donde recibía electroshocks mientras trataban de montar los rollos de su película Tierra Baja para comercializarla por su cuenta.

Pero estos son colaboracionistas y su obra quedó teñida para siempre como resultado de su afiliación. ¿Qué pasa cuando el artista, al igual que los precursores de Kafka, no tiene ni voz ni voto y, sin embargo, su afiliación no deseada con el maligno ocupa la primera línea de todas sus biografías? ¿Beneficia o injuria la obra de Wagner saber que el Fürer se ponía Tristan e Isolda para relajarse después de cenar? ¿Facilita la comprensión de Nietzsche saber que tenía entre sus fans al genocida? Si es verdad que cada escritor crea sus precursores, no es menos cierto que cada lector crea a cada escritor. Y algunos lectores tienen más peso que otros.

En tierras menos lejanas y bajando unos cuantos kilómetros el listón, qué sorpresa se llevó la artista kirtch Rowena cuando encontraron tres de sus cuadros en en el nidito de amor de Saddam Hussein. Su artista favorita, se choteaban los periódicos, generando una inesperada popularidad que resultó muy traidora. I utterly hate Saddam Hussein -tartamudeaba la pobre.- I loathe everything he is and everything he stands for. Ahora se pelea en los tribunales por recuperar las obras y confiesa horrorizada que no sabe qué podría haber en su obra que haya tocado la fibra del dictador.

That would be a horrifying thought -dice -He in his twisted mind must have read something into it. Y se me ocurre que, en realidad, la idea tan odiosa no es lo que Hussein haya "leído" sino lo que haya "escrito" en esos cuadros. Desde que sabemos que le gustaban tanto que no compro uno sino tres, las fantasías eroticofestivas de una pintora americana de tercera categoría se han convertido en algo muy distinto, como más interesante y revelador.

Julio 18, 2006

adele: cómo está el pixel, señores

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La han vendido por 135 millones de dólares (107,4 millones de euros), lo que quiere decir que se ha meado en los girasoles y del Garçon a la pipe de nuestro-malagueño-más-internacional y que se quedará en el Museo de Arte Contemporáneo Austro-alemán de la quinta avenida hasta que alguien la reclame de nuevo. Hay otro más modesto que permanece en la galería Belvedere de Viena de donde nunca debió salir. Aunque la dama murió víctima de una meningitis en 1925, su legado ha corrido más aventuras que Indiana Jones.

La culpa la tuvo su marido, que encargó los cuadros y cedió a la dama pero se negó a seguir las indicaciones de su esposa. En su lecho de agonía, Adele le hizo jurar que cedería los dos cuadros a la Belvedere de Viena y don Ferdinand Bloch-Bauer, industrial judío amante del arte, juró pero no cumplió. Los cuadros fueron legados a sus sobrinos para, ionmediatamente después, ser confiscados por los Nazis cuando huía de Alemania en 1938. Tras varias vicisitudes, los cuadros volvieron al lugar al que pertenecían -la Belvedere de Viena- hasta la semana pasada. La sobrina superviviente, ciudadana norteamericana, ha luchado contra el gobierno austríaco por su recuperación de su herencia hasta el año pasado, para venderla finalmente al magnate Ronald S.Lauder -de los Lauder de las cremitas- para el museo de Nueva York.

Lauder, en nombre de la Neue Galerie, ha calificado a Adele como nuestra Mona Lisa. En Peter Schjeldahl en el Newyorker se ha apresurado a reclamar: de Mona Lisa nada. Yo he visto la Mona Lisa y Adele no tiene nada de Mona Lisa. No hay nada misterioso en este caramelo. Como diciendo que entre la tensión sexual y el resplandor post-coitum todavía hay un par de capítulos que conviene considerar. Por el honor de la dama y el legado de su señor.

En ese mismo momento, a muchos kilómetros de allí ... una primera edición de Shakespeare se vende en subasta por 2.8 fucking million pounds.

El caso Bloch-Bauer (documentos en inglés y alemán) | Newyorker: The Golden Girl | El Pais: Bienvenida a la ciudad, Adele | La Vanguardia: Un cuadro de Klimt se convierte en el más caro de la historia

Junio 17, 2006

Takehito Etani : encuentros en la tercera persona

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The Third Eye es un dispositivo diseñado por Takehito Etani que se coloca en la cabeza del usuario para ofrecer una experiencia poco habitual: nuestro propio cuerpo en tercera persona. Con la ayuda de un monovisor con un monitor de dos pulgadas y una cámara colocada detrás de la cabeza podemos vernos a nosotros mismos por detras mientras caminamos. El resultado, irónicamente, es similar al que se experimenta cuando jugamos a videojuegos en primera persona: podemos ver la nuca de nuestro personaje, a pocos centímetros detrás de la acción.

videos (QT): cocinando y paseando por Times Square: I y II

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Más cronenbergiano y menos espectacular - aunque asquerosillo-, Masticator es un capuchón a medida que ofrece una descripción audiovisual del proceso de masticar la comida. Un gadget fundamental en la casa de la familia Trapp: cada ¿masticado? es recogido por el sistema y celebrado con un pitido, con un recuento que se muestra en la pantalla LED.

videos (QT); I y II.

Próximo proyecto de Takehito Etani: Pimp my heart, un sistema integrado en un coche que monitoriza y muestra los latidos del conductor en tiempo real usando la radio.

via

Junio 04, 2006

Cybersonica06: Shadow Monsters

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Shadow Monsters de Philip Worthington fue (mejorando lo presente) mi pieza favorita de Cybersonica: imaginen una habitación a media luz donde las sombras chinescas -esas sombras-animales que proyectamos contra la pared para entretener a los niños insomnes y a esa compañera de clase que se ha quedado a dormir en casa para terminar un trabajo sobre kandinski- se vuelven, de pronto, salvajes (video).

Junio 03, 2006

la bella ha llegado

Nefertiti .jpgPuertas berlinesas a otra dimensión, Pilar Rubio

Si alguien le dice que la berlinesa más bella se llama Nefertiti, apueste que es cierto. Su hermosura sigue intacta y nos invita a descubrir otro Berlín en un asombroso paseo virtual por la historia del arte y la cultura de otros continentes. Nefertiti llegó a esta ciudad, como tantos otros objetos, fruto de las excavaciones de muchos investigadores, naturalistas o simples aventureros alemanes que recorrieron el mundo en los siglos XVIII, XIX y comienzos del XX. Por entonces, ni la arqueología y etnología eran una ciencia, ni había normas sobre qué hacer con las obras y objetos que aparecían bajo tierra. Hasta bien entrado el XX llegaban a Europa por tierra y mar tesoros de otras civilizaciones que eran comprados, confiscados o simplemente robados de sus lugares de origen. El lado positivo de la historia es que la mayoría de ellos se encuentran a salvo en colecciones públicas, restaurados y bien expuestos. Berlín es un ejemplo.

Ahora, Nefertiti no está en su sitio. El busto ocupa la sala central del primer piso en el Altes Museum (Museo Viejo) como si hiciera honor al significado de su nombre: "La bella ha llegado". Justo detrás se está restaurando la sede definitiva del Museo Egipcio, que se inaugurará en 2009 dentro de la famosa Isla de los Museos. El Egipcio atesora unas 1.300 piezas, algunas espectaculares, como el extraño retrato en madera de la reina Tiy con gorro al que Thomas Mann, gran admirador de este museo, le dedicó unas palabras en su novela José.

En Madrid, mi otra casa, han empezado la primavera, la Feria del Libro y una exposición que me gustaría ver.

Mayo 30, 2006

fijuu2 - 3D sound toy

Fijuu2 es un videojuego diseñado para hacer música y visuales en tiempo real y no se parece a nada. Lo que ven en la imágen son tres elementos: un instrumento, una pista y un joystick desde el que se controlan los dos primeros. Hay seis instrumentos con los que jugar, cada uno de ellos diferente, en aspecto, sonido y comportamiento, a todos los demás. Algunos son especialmente apropiados para construir bajos y secuencias de rítmos. Otros son campos de fuerza que generan texturas sonoras. Todos flotan, bailan y se retuercen obedeciendo órdenes del jugador, que puede añadir efectos especiales de sonido, como NOISE o BOOST con los mandos del joystick. Todos los efectos son compatibles entre ellos y, cuando se usan, modifican por completo el aspecto del juego. Un vistazo a los screenshots les dará una idea.

Julian ha subido un pequeño video en baja resolución a youtube que lo explica mucho mejor.

Todos los sonidos se pueden grabar en las pistas de audio, que siguen tocando en un loop para construir una canción. Tanto la velocidad de cada pista como su volumen pueden ser modificados desde el joystick.

Fijuu2 es el último trabajo de Julian Oliver y Steven Pickles, la nueva versión patrocinada por el festival de arte y musica electrónica Cybersonica. Esta construido enteramente sobre software libre (Ogre3D, Blender, PD, VIM, Gimp, Inkscape y otros). Funciona sobre Linux y utiliza un joystick USB Logitech PS2 como interfaz. Hay un video mas limpio (40M, 4Min,Ogg Theora) para descargar desde el centro de descargas de selectparks. El formato se puede ver con VLC player, disponible para Linux, Windows y OSX.

Links: Fijuu2 | Screenshots | video en hires | Youtube | Cybersonica 06 Flickred

Reviews: Create Digital Music | Pixel Sumo | Rizhome | WNMNA (en chino!)

Mas Julian+Pix: q3apd | the quilted thought organ | q3apaint | acmipark (...)

Mayo 29, 2006

texone :: tree

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Así de bonita es La Petite Claudine cuando se convierte en bosque, gracias a la versión online de una instalación maravillosa que estuvo el año pasado en Sonar, en Transmediale y otros tantos festivales del circuito new media. Trexone tree bucea en el código fuente de una página web [lo que ven cuando van a "ver" --> "código" en el menú de su navegador] y utiliza su estructura sintáctica para construir un árbol. En la imágen, el árbol que corresponde a mi propio dominio [lapetiteclaudine.com] está en el medio; el resto son mis arbolitos-hijo, una mezcla de subdomínios, enlaces y caminos abiertos por los posts que hay hoy en portada.

A qué esperan para empezar su propio bosque.

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Algo parecido (aunque no tan bonito), es Websites as graphs, un aplet que lee el html de la web y representa los distintos elementos y tags con grupos de puntos de distintos colores que, al final, ¡son una flor! (gracias conejito)

Mayo 27, 2006

WAS SOMEONE

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WAS SOMEONE es Veronica Ibarra y su trabajo consiste en explorar la mecánica de la industria alimenticia, sustituyendo la metafora publicitaria a la que estamos acostumbrados por otra distinta, aparentemente naif, pero mas realista y conmovedora.

Evidencia A, su ultimo proyecto, consiste en cubrir las cuatro paredes de una habitación con miles de tickets de la compra. Los productos de comida que contengan ingredientes de origen animal serán subrayados con un rotulador fluorescente.

Los tickets son la prueba real, simbólica y legal de lo que consumimos, una actividad que tiene un efecto infravalorado en los animales no humanos. Verónica [veronicaARROBAwassomeonePUNTOcom] ha pedido en su página que le envíen tickets de supermercados y tiendas de alimentación para terminarlo.

Mayo 09, 2006

cybersonica 06

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Estoy en Londres disfrutndo del disfrutando del fabuloso programa de Cybersonica de este año (un tiempo de mierda, though). Mi tiempo de conexión es limitado asi que, mientras estoy fuera de casa, tendrán que conformarse con las fotos.

Abril 02, 2006

Como los sonic youth en directo

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Pierre ha escrito un post sobre la exposición de vanguardias rusas en Madrid, donde pueden deleitar su nostalgia de lo no vivido con títulos que deberían ser canciones de Aviador Dro: Sin industria pesada no hay industria o Los obreros son la fuerza de choque del comunismo en su lucha por cumplir en cuatro años el plan quinquenal.

En el suprematismo los cuadros son, por ejemplo, una cruz negra sobre fondo blanco. Y ya. Eso quiere decir suprematismo, que lo figurativo o lo que hemos considerado históricamente estético es una debilidad (pequeñoburguesa, supongo). Pasa de los objetos en sí mismos y busca la esencia en cosas como la cruz negra. Vale. El constructivismo es algo más atractivo: yo diría que trata de forzar los límites, decir más cosas usando un formato nuevo, combinando técnicas o aplicándolas a elementos no habituales... Supuestamente se trata de plasmar los mismos conceptos de la industria, la arquitectura, o eso dice la guía. Me gusta bastante más.

Por favor, pasen y lean.

Marzo 25, 2006

PARA TODOS LOS PÚBLICOS

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Luis Gispert & Jeffrey Reed: Blasterettes, 2005

Txomin Badiola Cecilia Barriga Anat Ben-David Bene Bergado Blami Daniele Buetti Minerva Cuevas Kajsa Dahlberg Tracey Emin Chus García-Fraile Miguel Ángel Gaüeca Guerrilla Girls Immo Klink Jakob Kolding Chris Korda Elke Krystufek Matthieu Laurette Cristina Lucas Mateo Maté Carmen Navarrete Itziar Okariz Pripublikarrak PSJM Jill Sharpe Carly Stasko Zhou Tiehai Mark Titchner Li Wei

Para todos los públicos da cuenta de los diversos discursos críticos que, desde el arte y otros frentes, vienen cuestionando en los últimos años los usos y abusos impuestos a la ciudadanía por las estrategias de mercado, inci­diendo en las revolucionarias teorizaciones feministas sobre la división entre lo público y lo privado. Asimismo, la muestra denuncia los conteni­dos sexistas y otros intereses, tanto económicos como ideológicos, que, a menudo, configuran estos espacios hegemónicos. Las piezas que mostramos en la exposición se pueden considerar ejemplos contempo­ráneos de détournement. En ellas se realiza una tergiversación del mundo de la publicidad, la cartografía, el urbanismo, el cine, la propia escritura y de todo tipo de imágenes y medios de comunicación. Y lo que es más importante: se persigue tergiversar las proposiciones del propio espectáculo cuestionando incluso la creación artística y el mercado del arte. Con frecuencia estas obras están compuestas de elementos prefabricados: citas, pasajes de obras literarias, fragmentos cinematográ­ficos, de cómics, mapas, etc… Todo, descontextualizado y dotado de una significación nueva, en un ejercicio de crítica del lenguaje como ideología, es decir, del lenguaje como instrumento de dominio y de poder.

PARA TODOS LOS PÚBLICOS
VV.AA. Sala Rekalde
Alameda Recalde 30, Bilbao
Hasta el 7 de mayo de 2006

Marzo 02, 2006

UK, avfest, etc

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C4i, Ryoji Ikeda

El norte de Inglaterra sobrevivió a la crisis de los 80 convirtiendose en el centro neurálgico de la biotecnología en Europa. En la Universidad de Newcastle, el equipo liderado por Miodrag Stojkovic --bajo los auspicios de Ian Wilmut padre de la oveja Dolly- recibió el primer permiso para clonar embriones humanos en su trabajo para conseguir una cura para la diabetes. Es en este marco tan peculiar que se celebra AV Festival, posiblemente el más grande y espectacular festival de arte y cultura digital y música electrónica de Gran Bretaña. Su edición de este año, a cargo de Honor Harger, se llama precisamente "LifeLike" (Imitación a la vida) y todos los trabajos, conciertos, proyecciones, exhibiciones e instalaciones que muestran de manera fehaciente cómo la tecnología fuede imitar, simular y hasta suplantar a la vida. [sigue en elastico]

En unas horas me voy a Inglaterra a empaparme bien de agua sucia y de manipulación genética, inteligencia artificial, bioterrorismo y todas esas guarradas que nos gustan a nosotros. Si están interesados en AvFest, Lovebytes y algunas cosas sueltas del estupendo programa de node.l haré un esfuerzo por llevarme a elastico todo lo que vea.

Si tengo amigos en Newcastle, Middlesbrough, Sunderland, Sheffield, Manchester, Londres u Oxford, que por favor se manifiesten. Sobre todo si se llaman Ivan y han cambiado de número de teléfono.

Febrero 17, 2006

la casa rusia

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Cómo me gustaría estar en Madrid. El Thyssen de Madrid acaba de inaugurar su exposición sobre la vanguardia rusa con una pinta fantástica:

Una serie de poetas y pintores, con una postura abiertamente radical, apostaron entonces por un lenguaje totalmente innovador con el que querían abrir el camino a un mundo nuevo. La vida artística rusa se llenó de exposiciones programáticas, encendidos manifiestos y declaraciones teóricas, al tiempo que se sucedían numerosos movimientos de vanguardia, algunos derivados de las influencias foráneas, como el cubofuturismo o el rayonismo, y otros genuinos de la nueva Rusia revolucionaria, como el suprematismo o el constructivismo.

La exposición se propone ofrecer una visión sintética de este periodo y abarca una amplia selección de obras y manifestaciones artísticas de naturaleza heterogénea y diversa, desde la pintura y la escultura, hasta la fotografía, el diseño gráfico y las artes aplicadas. El arco cronológico que abarca se sitúa entre 1907 y 1935.

Incluye una sección de diseño gráfico y propaganda cuyos carteles les dejarán una inquietante sensación de deja vu. Como la foto de arriba, creo.

Además, el Guggenheim prepara una retrospectiva histórica que cubre setecientos años de arte ruso. RUSSIA! ha sido una de las exposiciones del año (pasado) en el Guggenheim de allá y nosotros (ustedes) la tendremos a partir de marzo y hasta septiembre en Bilbao. La mayoría de las piezas expuestas, una colección de 250 obras de arte que van desde el siglo XIII hasta hoy, no habían salido de la casa Rusia hasta ahora. Aparentemente, la pobreza ha obligado al ministerio de cultura ruso a rentabilizar los fondos de arte de sus propios museos a traves de préstamos de sus fondos para exposiciones en el extranjero.

La revista Descubrir el Arte dedica el un especial de cuarenta páginas al arte ruso en el número de febrero.

Febrero 16, 2006

remembering The Godzilla Series

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Steven Davidson, 1997. via rbally

sus carteles, gracias

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Andy Deck les invita a imprimir sus posters, carteles y demás expresiones de su genio creativo en Imprimatur. Todos los posters impresos de febrero a abril serán expuestos en la HTTP Gallery y alrededores como parte de la exhibición Open Vice Virtue: the online art context. Los posters estarán también en la Red para que descarguen, impriman y pegoteen sus favoritos.

El proyecto Imprimatur es lo que Deck llama un 'groupware' online para la creación colectiva y, también, el hermano pequeño de Glyphiti. Este último es una construcción pictórica compuesta por miles de glifos que cambia cada vez que un internauta contribuye al proceso creativo.

Glyphiti quiere desviar la atención sobre el autor y devolverle a la obra su condición de biografía social y manifestación de una cultura colectiva. Está inspirada en el uso tradicional de los glifos y en el trabajo de Kenneth Knowlton, que ya usaba ordenadores en los 60 para reproducir imágenes compuestas de glifos.

Febrero 06, 2006

transmediale.06: Markus Kison

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Este año el jurado de transmediale ha decidido romper con la línea de trabajos aparatosos con grandes pantallas interactivas y multimedia circense y han seleccionado piezas muy minimales y de mucho -cómo decirlo- mucho concepto. Aunque no me llamó demasiado la atención ayer, lo cierto es que la pieza de Marcus Kisun es especialmente bonita. No me llamó la atención porque los organizadores de transmediale decidieron castigarla en un rincón oscuro junto a la puerta del baño y sólo la ves cuando la naturaleza llama.


Roermod-Ecke-Schönhauser
es una instalación con maquetas, espejos y cámaras. Kisun tiene cuatro cámaras lanzando video en streamming desde cuatro puntos de la ciudad. Usando los videos capturados, ha modelado los edificios que las cámaras están mirando con una impresora 3D, ha dispuesto las cuatro maquetas blancas a modo de escenario y dirigido una proyección de las mismas cámaras sobre los mismos espacios representados con ayuda de cuatro espejos redireccionados. No sé si me explico. El resultado es sutil pero extrañamente conmovedor e hipnótico, a medio camino entre una película muda de esas de Chaplin y Keaton que parece que son de risa pero te comen el alma y una casa de muñecas extraña y aterradora.

Es importante recordar que todo lo que ocurre tiene lugar en alguna parte de la ciudad, lejos de allí. Para entenderlo, lo mejor es ver los videos, uno y dos.

Enero 16, 2006

Bauhaus: el futuro ya está aquí

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La Tate Modern prepara un monográfico sobre Albers y Moholy-Nagy: From the Bauhaus to the New World y su revista trae un par de artículos a cuenta de la Bauhaus; My house, Bauhaus de Peter Fischli y Biology and The Bauhaus sobre Moholy-Nagy. Los dos ensayos se quedan en bragas en presencia de las fotos de Scott Peterman.

Durante los últimos años he estado trabajando en un proyecto fotografiando casetas de pesca en los lagos de la región de Maine. Estas casetas ilustran los principios básicos de refugio, comida, calor y una lucha interminable contra los caprichos de la naturaleza. Su propósito es puramente utilitario; usan materiales ultraligeros a prueba de vientos como láminas aislantes de metal, plástico o madera. pero ensambladas de maneras sorprendentemente ingeniosas, como esculturas de crudo minimalismo.

Que recuerdan tanto a Walter Gropius y el manifiesto:

¡Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual! [...] ¡Establezcamos una nueva cofradía de artesanos, libres de la arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca levantar una barrera infranqueable entre artesanos y artistas! Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo —a la arquitectura, a la escultura y a la pintura— en una sola unidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega.

Las fotos estan publicadas en Polar Inertia, que encontré en mi nuevo blog favorito, Pruned.

Enero 12, 2006

Vista de una ciudad ideal

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"Algún día" -me dijo Jose- "irás a la Gemäldegalerie. Antes de que te canses de ver pinturas (en una de las útlimas salas, o de las primeras si empiezas el recorrido por la izquierda) busca ésta.

Realmente no tiene título, ni se sabe quién la pintó. Se la suele llamar "Vista de una ciudad ideal", y hay otras dos pinturas similares en el mundo, sólo dos más, tambén anónimas y misteriosas. Una en Italia, en la Galería Nacional de Urbino y otra en Baltimore, en el Museo Walters.

La próxima vez que veas "12 monos", fíjate en la conferencia en el museo, cerca del principio de la película. Allí se ve la tabla de Baltimore, y esa ciudad desolada se utiliza como una referencia al centro de la trama: la destrucción total de la especie humana por un virus."

Mayo 24, 2005

Las extrañas felicitaciones de Francesca Berrini

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via BB

Marzo 29, 2005

last supper IV


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by Andy Warhol

Marzo 10, 2005

cut-up: redecora tu calle

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Los artistas del cut-up callejero encuentran, reciclan y redefinen el arte de pared, utilizando el material ya expuesto y añadiendo elementos que varían, completan o modifican su significado. Graffitti, pegatinas, carteles y anuncios, cualquier material es susceptible de mutar y adquirir nuevas dimensiones.

El proyecto empezó como una web de trabajos específicos para realizar con rapidez y sencillez durante un viaje cualquiera y se inspira en William S Borroughs y Brion Gysin.

Cut-ups are for everyone. Anybody can make cut-ups. It is experimental in the sense of being something to do. Right here write now. Not something to talk and argue about.

WS Burroughts, The Cut-up method


Un proyecto precioso enviado por Jose. Muchas gracias!

luke chueh

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Cuando miras sus pinturas piensas ¡qué mono! Pero luego miras otra vez y es como bueno. A este chico le pasa algo...

gracias Circ!

Febrero 13, 2005

kanjis, tatuajes y artistas de la calle montera: confirmando lo peor

kanji.gifYa hablamos de este enojoso asunto de los kanji, los tatuajes y la serena venganza del sonriente japonés que te cobra 40 euros por elaborar un bonito cuadro con tu nombre que en realidad pone "Tu madre es una cabra" para deleite de la susodicha, vecinos y otras visitas de sociedad. Los chicos de Hanzis Matter, una edición inversa del mundialmente famoso Engrish.com, confirman cada día nuestras peores sospechas sobre el particular, analizando tatuajes, graffittis y estampados para horror de sus portadores y deleite de los demás.

En una reveladora entrevista con un mago de las agujas de tinta se ofrece sin embargo una explicación alternativa a la de una servidora -que huele por defecto la maldad en estado puro y el castigo de humildad- que puede resultar tanto más estremecedora: los kanjis son los tatuajes más baratos del catálogo. Y les importan un pito.

Niñas, revisen ese bonito gráfico que llevan sobre el ombligo, el omoplato o el tobillo. ¿Están del todo seguras de que pone amor y felicidad?

gracias Charles

Febrero 01, 2005

John Lurie: el delicado encanto de la ironía

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Jose ha encontrado esta exhibición del visionario hiperactivo John Lurie en el Roebling Hall (January 14 – February 26) y me la ha mandado porque es un encanto. Yo pongo la entrevista de The Onion y la posiblidad de que mi suegra piense que hago tijeritas con un corcel.

Qué sacrificada es la vida de una blogger.

Enero 14, 2005

Elizabeth Ernst: The G.E. Circus

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Diciembre 15, 2004

Para ese adulto que llevas dentro

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Octubre 21, 2004

stop motion studies

motionstudies.jpg
Se dice que el 90% de la comunicación humana es no verbal. En estas fotos, el lenguaje corporal de los sujetos se convierte en la sintaxis básica para una serie de animaciones web que exploran el movimiento, el gesto y el montaje algorítmico. Muchas de estas secuencias docuemntan la reacción de una persona al ser fotografíada por un extraño.

Gracias Jose!

Junio 04, 2004

Kana

animesexdoll.JPG

el enlace, en engaget y por cortesia de falafel. Libidinosos besos para ti tambien.

Mayo 30, 2004

Arte inflamable

tracyemin.jpg
Me and Paul, por Tracy Emin

Mayo 27, 2004

bloodwars

bloodwars.jpg

Mayo 05, 2004

wishap!

wishap.jpg

Mayo 01, 2004

picturing women

picturingwoman.png

Abril 27, 2004

Las mejores portadas que nunca existieron

elvis_paperny.jpg

cortesia de The Presurfer

Abril 26, 2004

Paper Doll Fun

paperfun1.gif

entrevista y link via Mock Turtle Soup

Abril 23, 2004

naughty paper!

dirtyautomata.gif

via bb

Abril 22, 2004

Amor industrial

amorindustrial.gif

¡gracias Justin!

Abril 21, 2004

exquisitos

stereolab_lg.gif

Abril 18, 2004

Museum of Porn in Art

pornart2.jpeg

cortesia de Daze Reader

Abril 06, 2004

de vuelta en zagreb!

roc.gif

gracias Michelle!

Marzo 17, 2004

Tesone

tesone.gif

cortesía de mi web favorita: Wooster

B3autiful!!!

ekosystem.jpg

También en Art Crimes


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proyectos elásticos





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free culture
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Tokio ni itta koto ga arimasu ka?
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